Le 1 Février 1887, naît Hollywood, un ranch donnera son nom

à ce lieu mythique et son nom apparaitra pour la premiètre fois sur des documents officiels.
Wilcox acheta 0,6 km2 de terre dans la campagne à l'ouest de la ville, sur les contreforts du col de Cahuenga. Dans les années 1880, ce couple originaire du Kansas, Harvey Henderson Wilcox, qui a fait fortune dans l'immobilier malgré la perte de l'usage de ses jambes à cause de la fièvre typhoïde et sa femme Daeida Wilcox Beveridge, décidèrent de déménager depuis Topeka jusqu'à Los Angeles. C'est Daeida Wilcox qui choisit le nom " Hollywood " qui signifit bois de houx pour la propriété, en faisant référence à une colonie d'immigrants allemands nommée ainsi et se trouvant dans l'Ohio. Elle en prit connaissance lors d'un voyage en train vers l'est, en discutant avec une femme de là-bas. La sonorité du mot lui plaisant, le ranch fut baptisé ainsi. Hollywwod était né.
Harvey Wilcox créa peu de temps après une carte de la ville, qu'il compléta avec les autorités du comté, le 1er février 1887 : c'est la première fois que le nom d'Hollywood apparaîtra officiellement. Avec sa femme comme conseillère, il traça la rue principale, à laquelle il donnera le nom de Prospect Avenue, aujourd'hui Hollywood Boulevard, la bordant comme les autres avenues de toyons des arbustes. Puis il commença à vendre par lots les terrains longeant l'avenue. Daeida leva des fonds pour la construction de deux églises, d'une école et d'une bibliothèque. Ils importèrent quelques houx anglais pour essayer de donner une raison au nom de la ville, mais les buissons ne s'acclimatèrent pas et ce projet fut abandonné.

Présentation

En 1900, Hollywood avait un bureau de poste, son propre journal, un hôtel, deux marchés et avait une population d'environ 500 âmes. Los Angeles qui comptait 100 000 habitants à cette époque, était distante de 11 km de Hollywood. Les deux villes étaient alors séparées par des cultures d'agrumes. Une ligne de tramway unique fut mise en place pour joindre Prospect Avenue à Los Angeles. Mais le service étant inconstant, le voyage durait deux heures. La situation fut par la suite améliorée avec la reconversion d'un hangar en écurie.
C'est en 1902 qu'ouvrit le célèbre Hollywood Hotel, sur le côté ouest de Highland Avenue et en face de Prospect Avenue. Cette route, jusqu'alors sale et non pavée, fut rendue carrossable par la suite. L'année suivante, la ville devenait une municipalité. En 1904 une nouvelle ligne de tramway fut construite, ce qui diminua radicalement le temps de voyage jusqu'à Los Angeles. Son nom, The Hollywood Boulevard, allait être l'une des raisons du renommage de Prospect Avenue. L'autre raison était l'annexion de la ville à Los Angeles. En effet, en 1910, les conseillers votèrent son annexion à Los Angeles, surtout dans le but de profiter du système efficace d'approvisionnement en eau de la ville. Celle-ci venait en effet d'achever son aqueduc. Une autre raison de ce vote était l'accès au système d'égouts de Los Angeles. Ainsi, à travers cette association, Prospect Avenue devenait Hollywood Boulevard. Pour anecdote, cela entraina la modification de tous les numéros des rues du nouveau quartier, ex : 100 Prospect Avenue, sur Vermont Avenue, devenait 6400 Hollywood Boulevard, et 100 Cahuenga Boulevard, sur Hollywood Boulevard, devenait 1700 Cahuenga Boulevard.
Depuis le milieu des années 1910, le nom de Hollywood est quasi synonyme de cinéma américain. Moins le cinéma des auteurs à l'européenne que celui de « l'usine à rêves, qui fournit à la planète entière ses divertissements les plus spectaculaires, les plus populaires et les plus rentables. Investie dès l'époque du muet par des artistes accourus du monde entier et des stars dont la vie fastueuse et parfois scandaleuse défraye la presse des potins, la « Mecque du cinéma » (Cendrars) est gérée en oligopole par ses « nababs », pour la plupart immigrants juifs d'Europe centrale. Le studio system qu'ils mettent progressivement en place après la Première Guerre mondiale fonctionne à plein régime dans les années 1930 et 1940, lorsque huit grandes compagnies les majors se partagent la production, la distribution et l'exploitation de quelque 500 films par an. Il périclite ensuite, victime des actions antitrusts de l'après-guerre et de la concurrence de la télévision. Mais depuis les années 1970, malgré l'inflation des coûts de production et la contestation idéologique de la génération du baby-boom, Hollywood est redevenu la capitale du cinéma mondial, où sont conçus, financés et le plus souvent réalisés les films à gros budget La Guerre des étoiles, 1977, Titanic, 1998) ainsi que la majorité des fictions télévisuelles à vocation internationale. Avec l'entrée dans le XXIe siècle, l'environnement industriel et technologique de la côte du Pacifique semble plus que jamais propice aux grandes synergies qui conditionnent la réalisation et l'exploitation des images de demain.

Les origines

Le nom de Hollywood bois de houx est donné en 1886 par Daeida Wilcox au ranch acheté par son mari dans la vallée de Cahuenga, en Californie. Agent immobilier, Harvey Henderson Wilcox découpe sa vaste propriété en vingt-cinq blocs comprenant chacun de dix à vingt-quatre parcelles, et les revend avec profit. Le lotissement, délimité au nord par Franklin Avenue, au sud par Sunset Boulevard, à l'est par Gower Street et à l'Ouest par Whitley Avenue le centre du Hollywood actuel, acquiert statut de ville en 1903, avec 700 habitants. Dix ans plus tard, il en compte plus de 7 000, et il est annexé par l'agglomération de Los Angeles. C'est alors qu'y arrivent les pionniers du cinéma américain.
Contrairement à une légende tenace, ce ne sont pas les compagnies indépendantes de l'époque qui sont à l'origine de cette migration. Les membres du trust Edison, la Motion Picture Patents Company, tous originaires de la côte est et de Chicago, s'installent également en Californie au tournant des années 1910. David Wark Griffith y tourne pour la Biograph dès 1909, et c'est la même année que la compagnie Selig de Chicago s'établit à Los Angeles. Les compagnies Vitagraph et Lubin, elles aussi membres de la M.P.P.C., ouvrent des studios californiens en 1911 et 1912. Mais le premier studio à Hollywood proprement dit est construit en 1911 par David Horsley pour réaliser les westerns de la compagnie Nestor. Et c'est pour tourner Le Mari de l'Indienne, une production de la Jesse L. Lasky Feature Play Company, que Cecil B. DeMille y aménage en 1913 une grange désaffectée de Vine Street. Quand, un an plus tard, Griffith reconstitue les champs de bataille de la guerre de Sécession dans la campagne avoisinante pour La Naissance d'une nation 1915 avant d'ériger, au pied des collines, les décors monumentaux de la Babylone d'Intolérance 1916, on peut dire que l'essentiel de la production cinématographique américaine, tous statuts et tous genres confondus, se trouve désormais regroupé à Hollywood et dans ses environs. Il l'est toujours, près d'un siècle plus tard.
Les raisons de ce succès sont nombreuses et diverses. Il y avait la qualité de l'ensoleillement, indispensable aux pellicules de l'époque, y compris pour les séquences d'intérieur. La diversité des paysages – mer, montagne, forêts et déserts à une heure de route – permettait le tournage de n'importe quels extérieurs, et les tribus indiennes vivant près de la côte fournissaient aux westerns d'utiles figurants. Le fait que, en l'absence de syndicats reconnus, les salaires journaliers de Los Angeles étaient deux fois inférieurs à ceux des grandes villes de l'Est, constituait lui aussi une forte incitation.
C'est en s'installant en Californie que le cinéma américain devient une véritable industrie, pourvoyeuse régulière de courts et longs-métrages aux quelque 10 000 nickelodeons (appellation populaire des salles de projection) du début des années 1910. C'est aussi à cette époque que Thomas H. Ince, dans son studio de Santa Inez Canyon, met au point des méthodes d'écriture, de tournage et de montage qui préfigurent la division du travail et la réalisation des films « à la chaîne » dans le cadre du studio system. Au même moment, Adolph Zukor, William Fox et Carl Laemmle, immigrants d'Europe centrale enrichis dans l'exploitation des salles, abordent la production en y développant le star system. À rebours de l'anonymat qui prévaut encore dans le cinéma de l'époque, ils font reposer l'économie du film sur des vedettes, tantôt plébiscitées par le public (Pearl White, héroïne des premiers serials, Charles Chaplin, qui réalise ses trente-cinq premiers Charlot aux studios Keystone de Mack Sennett dans la seule année 1914, ou Mary Pickford, la « petite fiancée de l'Amérique »), tantôt imaginées et fabriquées de toutes pièces par les nababs avec le soutien des premiers fan magazines : ainsi Theda Bara, première vamp américaine, sortie tout harnachée, en 1914, du crâne de William Fox. Enfin, la Première Guerre mondiale, tout en donnant la pleine mesure de l'influence du nouveau média (réquisitionné dès 1917 par la propagande gouvernementale), anéantit les cinématographies concurrentes : l'Amérique, qui, jusqu'au début des années 1910, importait encore en masse les productions européennes, réalise au début des années 1920 plus de la moitié des films projetés dans le monde.

Un pôle d'attraction national et international

Au début des années folles, Hollywood est déjà un mythe que toute une littérature journalistique, supervisée par quelques reines du potin, Louella Parsons, plus tard Hedda Hopper amplifie et colporte aux quatre coins du monde. Un rituel quasi religieux organise la sortie des films et le culte de leurs stars, Greta Garbo, Rudolph Valentino au rythme des premières organisées au Grauman Chinese Theater, le début de Chantons sous la pluie en propose une très amusante parodie. À partir de 1927, la cérémonie des oscars, où les 2 000 membres de l'Academy of Motion Picture Arts and Science décernent les vingt-trois statuettes dessinées par Cedric Gibbons directeur artistique de la M.G.M., devient l'événement-phare du calendrier hollywoodien. Ultime expression du rêve américain, la consommation ostentatoire des rich and famous, le luxe des demeures construites à Beverly Hills, comme le célèbre Pickfair de Douglas Fairbanks et Mary Pickford, la liberté, les plaisirs et les scandales de Tinseltown fascinent des générations d'adolescents qui rêvent de trouver gloire et fortune en Californie. Peu réalisent ce rêve, que les films sur Hollywood, qui relèvent presque d'un genre à part entière dès l'époque du muet, contribuent à promouvoir, même lorsqu'ils prétendent en dénoncer l'illusion, Show People de King Vidor, 1927, ou A Star is Born de George Cukor, 1954.

En revanche, les studios californiens attirent effectivement des artistes du monde entier, dont un certain nombre d'acteurs (Pola Negri, Greta Garbo, plus tard Marlene Dietrich ou Maurice Chevalier), mais surtout des réalisateurs de premier plan (le Français Maurice Tourneur, le Suédois Victor Sjöström, l'Allemand Ernst Lubitsch, le Hongrois Michael Curtiz) et beaucoup d'autres professionnels de l'image, du décor ou des costumes. Comment ces artistes n'auraient-ils pas été séduits par les moyens et le prestige offerts par les studios ? Dès les années 1910, Hollywood a ainsi bénéficié de l'apport permanent de talents étrangers. Il est même permis de penser que la créativité toujours renouvelée du cinéma américain au long de son histoire doit beaucoup à cette dialectique féconde entre la culture proprement américaine d'une moitié du personnel (pour s'en tenir aux réalisateurs : Griffith, DeMille, Walsh, Vidor ou Hawks) et celle, souvent moins consensuelle, plus volontiers critique ou ironique, des « étrangers au Paradis » (Chaplin, Stroheim, Lang, Wilder ou Hitchcock).
C'est aussi au cours des années 1920 que les structures de l'industrie trouvent leur maturité : face à un vivier persistant de petites compagnies indépendantes, une demi-douzaine de gros studios verticalement intégrés, c'est-à-dire réunissant des activités de production, de distribution et d'exploitation, également appelés majors », dominent le marché et se protègent de la concurrence en s'organisant en monopole. Ces majors se regroupent en 1922 dans la Motion Picture Producers and Distributors of America, M.P.P.D.A., devenue aujourd'hui M.P.A.A.. William Hays est placé à la tête de cet organisme, dont l'importance ne cessera de croître. Il lui est notamment confié la lourde tâche de stopper le développement des censures locales ou d'État, de plus en plus nombreuses et virulentes au début des années 1920 en mettant sur pied un code interne d'autocensure – qui trouvera sa forme définitive en 1930.
Dans l'usine à rêves des années 1920, les artistes du muet conservent une marge importante de liberté, soit qu'ils parviennent, grâce aux fortunes qu'ils amassent, à produire eux-mêmes leurs films, Douglas Fairbanks, Gloria Swanson, Charles Chaplin, soit que les compagnies qui les ont engagés acceptent d'investir les sommes parfois énormes nécessaires à leurs projets, Erich von Stroheim pour un temps, Cecil B. DeMille, F. W. Murnau. Et si l'on a pu reprocher aux majors des années 1920 d'avoir surtout géré le commerce des picture palaces, les gigantesques et somptueux cinémas construits aux États-Unis après la Première Guerre mondiale, on ne saurait dire que les 800 longs-métrages réalisés chaque année à Hollywood entre 1920 et 1927,le chiffre tombe à 500 à l'arrivée du parlant se contentent de répéter des formules éprouvées, même si l'adaptation des textes littéraires demeure la première source des scénarios. Avec le recul, on est au contraire impressionné par la quantité d'œuvres qui se distinguent du tout-venant. Avec Mack Sennett, Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, Harry Langdon et Laurel et Hardy, les burlesques à eux seuls ont produit en dix ans un nombre stupéfiant de chefs-d'œuvre. Mais le mélodrame, avec David Wark Griffith et Frank Borzage, la comédie sophistiquée, avec Cecil B. DeMille et Ernst Lubitsch, le western, avec John Ford et James Cruze, ou le film fantastique, avec Wallace Worsley et Tod Browning, comptent eux aussi beaucoup de classiques du septième art, bien servis au demeurant par des acteurs inoubliables : Lillian Gish, Lon Chaney, Gloria Swanson, Clara Bow ou William S. Hart.

L'avènement du parlant et l'apogée du classicisme hollywoodien

Produit par les frères Warner, Le Chanteur de jazz déclenche en 1927 la révolution du parlant. En l'espace de deux ans, les studios sont reconstruits et les salles équipées pour les talkies. Mais les dépenses considérables que l'industrie doit engager, aggravées peu après par les effets de la Dépression, conduisent à de profondes restructurations, dont l'effet principal est le renforcement du studio system. Tout au long des années 1930 et 1940, huit studios dominent sans partage la dream factory : les « Big Five », propriétaires de salles (Paramount, M.G.M., Warner Bros., 20th Century Fox et R.K.O.), et les « Little Three », seulement producteurs et/ou distributeurs (Universal, Columbia et United Artists). Les petits studios de « Poverty Row » complètent la production des séries B pour les « doubles programmes », qui se généralisent dans les cinémas des années de la Dépression. La production des films « à la chaîne », selon des règles très strictes de division du travail, tend elle aussi à se consolider, amenant un pouvoir accru des executive producers : Irving Thalberg, Louis B. Mayer et Dore Schary à M.G.M., B. P. Schulberg et Barney Balaban à Paramount, Hal B. Wallis et Jack Warner à Warner Bros., Darryl F. Zanuck à 20th Century-Fox, David O. Selznick à R.K.O., Cliff Work à Universal, Harry Cohn à Columbia et Samuel Goldwyn à United Artists. Sans décider de la politique générale des compagnies (définie par les présidents new-yorkais avec l'aval de Wall Street), ces derniers font la pluie et le beau temps dans les studios californiens. Tout le personnel important, scénaristes, réalisateurs et acteurs compris, est salarié, et lié à son employeur par des contrats (de sept ans pour les acteurs) qui réduisent beaucoup sa liberté – y compris celle pour une star de choisir ses rôles (Bette Davis, parmi d'autres, contestera cet état de fait).
Innombrables et bien connus sont les griefs des artistes à l'égard de ce système. Mais ses avantages méritent aussi d'être signalés, en particulier la possibilité pour un réalisateur, un acteur, un directeur artistique ou un compositeur de travailler presque sans interruption et de perfectionner son art comme il ne pouvait le faire nulle part ailleurs. De plus, malgré le souci de chaque studio de marquer sa différence en développant un style identifiable et de ménager une place, aux marges du système, à un petit pourcentage de productions moins surveillées, sinon expérimentales, la nouvelle économie hollywoodienne favorise une écriture « classique » qui s'impose progressivement comme norme. Outre le respect des bienséances (condition du « sceau d'approbation » de la M.P.P.D.A. délivré par la Production Code Administration – P.C.A.), elle requiert la séparation des genres, la chronologie du récit, la discrétion du style – qui, même s'il est spectaculaire, ne doit jamais attirer l'attention sur lui-même – et la focalisation du scénario sur les aventures d'un héros, une star à laquelle le spectateur est incité à s'identifier. Les péripéties et les dilemmes auxquels le héros doit faire face sont normalement, quoique non systématiquement, résolus par un happy ending. Cette écriture et l'idéologie qui la sous-tend atteignent leur apogée à la fin des années 1930. Toutefois, un an après la sortie d'Autant en emporte le vent (Victor Fleming, 1939), Citizen Kane (Orson Welles, 1940) en remet déjà tous les principes en question – ne serait-ce que par sa déconcertante construction en flash-back. Ce chef-d'œuvre, un des très rares films hollywoodiens dont le réalisateur ait bénéficié du montage final (final cut), strictement réservé aux patrons des studios, n'en puise pas moins largement à la tradition hollywoodienne. Il en propose même une sorte d'inventaire jubilatoire. À cet égard, il s'agit bien d'un film pivot, qui résume le passé et annonce l'avenir.
Malgré la répétition des formules, favorisée par le système des genres et la soumission étroite aux modes qu'encourage le box-office, c'est l'extraordinaire diversité de la production classique qui s'impose à l'observateur. Toute généralisation sur le « cinéma classique hollywoodien » risque de ce fait d'être abusive. C'est donc avec prudence qu'on dira que les années 1930 ont vu le double essor d'un cinéma « social », mobilisé par les dures réalités de la Dépression et par la politique volontariste de l'administration Roosevelt, et d'un cinéma « d'évasion », qui délaisse le réel au profit du rêve, de la fantaisie et de l'exotisme, et auquel le développement de la couleur, dans la deuxième moitié de la décennie, vient conférer un supplément d'impact (Les Aventures de Robin des Bois, William Keighley et Michael Curtiz, 1938, Le Magicien d'Oz, Victor Fleming, 1939). L'opposition entre ces deux tendances traverse les genres favoris de l'époque, et souvent les œuvres elles-mêmes : les films de gangsters, satires cyniques du désordre ambiant, mais refuges inattendus des valeurs de l'American way of life (Scarface, Howard Hawks, 1932) ; les comédies musicales, qui rivalisent de luxe et d'érotisme, mais refusent d'oublier les misères quotidiennes de la Crise (Gold Diggers of 1933, Mervyn Le Roy, 1933) ; les comédies loufoques, qui idéalisent la réunion des classes dans le meilleur des mondes possibles, mais posent un regard lucide et généreux sur les souffrances et les injustices de leur temps (L'Extravagant Monsieur Deeds, Frank Capra, 1936). On en dirait autant, dans les années 1940, des comédies musicales (Le Chant du Missouri, Vicente Minnelli, 1944), des westerns (Le Massacre de Fort Apache, John Ford, 1948), des films fantastiques (La Féline, Jacques Tourneur, 1942) ou des films noirs (Assurance sur la mort, Billy Wilder, 1944), qui reflètent d'autant plus profondément leur époque qu'ils s'emploient en apparence à y échapper. Paradoxalement, c'est peut-être le cinéma de propagande et le documentaire de guerre qui, commandés à Hollywood par le gouvernement américain, ont alors proposé les images les moins « réalistes » du monde (Mission to Moscow, Michael Curtiz, 1943).

Le déclin du studio system

Le studio system dépendait du contrôle de l'exploitation qui, seul, pouvait assurer l'écoulement régulier d'une production de masse, planifiée à long terme selon les genres, les budgets et les stars. En contraignant les studios, au nom de la loi antitrusts, à vendre leur parc de salles, la Cour suprême signe en 1948 l'arrêt de mort de ce « système », au moment où l'avènement de la télévision et l'exode des classes moyennes vers les banlieues commence à affecter sérieusement la fréquentation. Les conséquences sont immédiates : les studios diminuent leur production (elle tombe à 250 films par an dès le milieu des années 1950) et réduisent des trois quarts leur personnel sous contrat : en quelques années, ils abandonnent non seulement l'exploitation, mais aussi l'essentiel de la production à des compagnies indépendantes, pour concentrer leur activité sur le secteur plus sûrement rentable de la distribution. Les films sont désormais produits au coup par coup, le plus souvent hors du studio, et couramment hors des États-Unis, à destination d'un public plus divers, plus jeune et surtout plus rare : il y avait 80 millions de spectateurs hebdomadaires en 1946 ; on n'en compte déjà plus que 50 millions dix ans plus tard. Pour résister à la concurrence du petit écran (dont elles deviennent toutefois le principal fournisseur en réalisant téléfilms, séries et feuilletons pour les networks), les majors développent, en même temps que les budgets de leurs plus gros films, de nouvelles technologies spectaculaires : le technicolor se généralise et l'écran large s'impose. Avec des succès artistiques et financiers contrastés, la décennie est ainsi jalonnée par la sortie de superproductions : des péplums (Les Dix Commandements, Cecil B. DeMille 1956, Ben-Hur, William Wyler, 1959), mais aussi des films de guerre (Le Pont de la rivière Kwaï, David Lean, 1957) et des films d'aventure (Le Tour du monde en 80 jours, Michael Anderson, 1956).

Soucieux de conquérir et de fidéliser un nouveau public, les responsables des studios laissent par ailleurs davantage d'initiative à des « auteurs » à forte personnalité (Elia Kazan, Joseph L. Mankiewicz, Nicholas Ray, Arthur Penn, Billy Wilder, Stanley Kubrick) qui imposent des scénarios exigeants et des styles originaux. Parallèlement, le Code d'autocensure s'assouplit. Il s'accommode de hardiesses thématiques, et notamment d'un érotisme inédit qu'incarne une nouvelle génération de stars (Marilyn Monroe, Kim Novak, James Dean, Marlon Brando). Mais la « chasse aux sorcières » que la Commission des activités antiaméricaines (H.U.A.C.) déclenche contre Hollywood en 1947 et que les patrons des studios acceptent lâchement est désastreuse pour beaucoup d'artistes qui se voient interdits de travail par les « listes noires », et installe à Hollywood un climat délétère. Elle n'est pas sans conséquences sur les films eux-mêmes : elle étouffe le courant « social » en plein essor après la guerre (Les Plus Belles Années de notre vie, William Wyler, 1946) et, dans le contexte de la Guerre froide, ranime dans divers genres (espionnage, science-fiction) l'esprit de propagande. Elle encourage aussi, pour le meilleur parfois, pour le moins bon souvent, des œuvres plus « littéraires » et plus « psychologiques », un peu lourdement symboliques ou métaphoriques. Fréquemment interprétées par les jeunes acteurs de l'Actors Studio (Paul Newman, Shelley Winters), elles réveillent et exacerbent les contradictions idéologiques de « l'ère Eisenhower » – non sans en dénoncer parfois avec courage l'intolérance et la médiocrité On murmure dans la ville, Joseph L. Mankiewicz, 1952.
Grand spectacle et cinéma d'auteur se conjuguent pourtant avec bonheur dans au moins trois genres qui brillent, en cette décennie, d'un éclat particulier : la comédie musicale qui, grâce à la survie de « l'unité Freed » à la M.G.M., produit ses plus beaux joyaux (Singin' in the Rain, Stanley Donen et Gene Kelly, 1952) ; le western, qui, avec John Ford, Howard Hawks, Anthony Mann ou Delmer Daves, redécouvre avec la couleur et l'écran large les paysages américains et « problématise », souvent avec finesse, la vision traditionnelle des épopées de l'Ouest (La Prisonnière du désert, John Ford, 1956) ; le mélodrame, enfin, qui, avec Douglas Sirk, livre alors ses plus flamboyants et ses moins complaisants chefs-d'œuvre (Tout ce que le ciel permet, 1956).
Le déclin de Hollywood se confirme au cours des années 1960. Les studios mettent en vente leurs trop grands terrains, et jusqu'aux costumes de leurs stars. Plusieurs sont absorbés par des conglomérats sans rapport avec le cinéma (Paramount est ainsi racheté par Gulf and Western Industries), avec des effets plutôt négatifs sur la politique de production : le rachat de United Artists par Transamerica entrave le fonctionnement du studio dans les années 1970, avant que la catastrophe financière de La Porte du paradis (Michael Cimino, 1980) ne mette fin à son existence. L'essentiel du pouvoir de décision passe alors aux mains des imprésarios qui gèrent la carrière des stars (ainsi Michael Ovitz à Creative Artists Agency), ces dernières s'impliquant par ailleurs plus souvent dans la production de leurs « véhicules ». Les films européens, portés par une liberté de ton encore contenue en Amérique par le Code d'autocensure (le « Code Hays », qui ne sera abrogé qu'en 1968), jouissent d'un succès sans précédent. La Nouvelle Vague française remet profondément en question l'idéologie et les méthodes hollywoodiennes. Mais même en termes d'efficacité commerciale, les James Bond anglais et les westerns italiens dament alors le pion aux blockbusters hollywoodiens (films à gros budget visant le plus large public national et international). Quelques films magnifiques de grands réalisateurs, souvent incarnés par des stars vieillissantes (John Wayne, Clark Gable, James Stewart), ne suffisent pas à redorer le prestige ni surtout à renflouer les caisses des studios : ni L'Homme qui tua Liberty Valance (John Ford, 1961), ni Les Oiseaux (Alfred Hitchcock, 1963), ni même Spartacus (Stanley Kubrick, 1960) ne compensent le désastre financier de Cléopâtre (Joseph L. Mankiewicz, 1963). Car les gros budgets ne garantissent plus le succès. Si La Mélodie du bonheur de Robert Wise, en 1965, arrive en tête du box-office, la fin de la décennie voit s'accumuler des échecs cuisants : Hello Dolly, Darling Lili et Tora ! Tora ! Tora ! amènent la 20th Century-Fox au bord de la faillite. Les signes d'un renouveau possible apparaissent cependant grâce à quelques réalisateurs de la génération dite « de la télévision » : Sidney Lumet, Sam Peckinpah, Sydney Pollack, Arthur Penn. Ce dernier en particulier signe, avec Bonnie and Clyde (1967), une œuvre qui marque un tournant dans l'histoire de Hollywood, par sa forme très libre inspirée de Godard et de Truffaut, par sa violence « graphique » (Penn lance la mode du filmage au ralenti), et par sa contestation affichée de l'idéologie dominante, qui annonce la contre-culture de la fin de la décennie. La fréquentation ne cesse pas pour autant de s'effondrer : elle connaîtra son plus bas niveau en 1971 avec 17 millions de spectateurs hebdomadaires. L'Amérique produit alors moins de cent cinquante films par an, et on parle en Europe de la mort de Hollywood.

La Renaissance hollywoodienne

Le remplacement, en 1968, du Code d'autocensure par le système de classification par âge, encore en place aujourd'hui, va contribuer au redémarrage de la production. Mais c'est surtout la récupération par Hollywood de la contre-culture des années 1960 et du « cinéma-bis » de « Poverty Row » (notamment les exploitation movies de Roger Corman, spécialisés dans la violence et l'érotisme) qui permet de redresser la barre. Conformément à la dialectique qui dynamise depuis ses origines le cinéma américain, les majors renaissent de leurs cendres en commercialisant les trouvailles des indépendants : après le succès imprévu d'Easy Rider (Dennis Hopper, 1969), un road movie réalisé avec très peu de moyens et violemment satirique à l'égard des comportements et des valeurs de l'Amérique profonde, les studios ouvrent la porte à des œuvres anticonformistes, voire franchement contestataires qui, dans le contexte traumatisant de la guerre du Vietnam et du Watergate, s'emploient à décrire, plutôt que le rêve, le cauchemar américain, et vont jusqu'à « réviser » les grands mythes fondateurs de la nation (Little Big Man, Arthur Penn, 1971). Grâce à cette veine, quelques cinéastes des années 1960 renouvellent puissamment leur inspiration (Sydney Pollack, Sidney Lumet, Alan J. Pakula, Sam Peckinpah, Arthur Penn, Hal Ashby). Ils sont rejoints, derrière Francis Ford Coppola, par un nouveau groupe de jeunes réalisateurs fraîchement sortis des écoles de cinéma (Martin Scorsese, George Lucas, William Friedkin, Steven Spielberg, Michael Cimino, Brian De Palma), et épaulés par une nouvelle génération de stars, essentiellement masculines (Jack Nicholson, Dustin Hoffman, Robert De Niro, Al Pacino). Ce courant artistiquement très riche, même si on peut trouver quelque complaisance et une certaine paranoïa dans l'image extrêmement négative qu'il projette de l'Amérique (Les Trois Jours du Condor, Sydney Pollack, 1975), est supplanté au milieu de la décennie par le redémarrage du grand spectacle : dans le sillage des films-catastrophes qui remportent alors un énorme succès (Airport, George Seaton, 1970, L'Aventure du Poséidon, Ronald Neame, 1972), William Friedkin (L'Exorciste, 1973) et surtout Steven Spielberg (Les Dents de la mer, 1975) ramènent massivement les spectateurs dans les multisalles récemment construites dans les centres commerciaux suburbains. La fréquentation remonte à 20 millions de spectateurs hebdomadaires – où elle se stabilise jusqu'aux années 1990.
La deuxième moitié de la décennie voit ainsi renaître et s'amplifier le phénomène des blockbusters, dans le domaine de la science-fiction d'abord (La Guerre des étoiles, George Lucas, 1977), mais aussi dans celui du film criminel (les deux Parrain, Francis Ford Coppola, 1972 et 1974), de la comédie musicale (Grease, Randal Kleiser, 1978) et du film de guerre (Voyage au bout de l'enfer, Michael Cimino, 1978). Parallèlement, le ciblage systématique des teenagers, la distribution saturante – qui rompt définitivement avec l'ancienne opposition entre exclusivité et exploitation générale, les films importants sortant maintenant simultanément dans des milliers de salles – et, à partir de Superman (Richard Donner, 1978), l'attention systématique portée à la réalisation et à la commercialisation des produits dérivés renouvellent en profondeur l'économie hollywoodienne. Au début de l'ère Reagan, on a affaire à un grand cinéma de divertissement, plus sûr de lui-même que jamais et qui, derrière Spielberg (DreamWorks) et Disney (Buena Vista), accompagne l'euphorie économique et idéologique des années 1980.
Les gros profits sont de retour, chaque année étant marquée par de nouveaux records. Au box-office de tous les temps (calculé en mars 1999), Titanic (James Cameron, 1998) est déjà en tête de liste, suivi par La Guerre des étoiles (1977), E.T. (Steven Spielberg, 1982) et Jurassic Park (Id., 1993). Certes, sur dix superproductions hollywoodiennes, trois seulement réalisent des bénéfices. Mais l'exploitation vidéo et les revenus du câble et des networks (aujourd'hui la moitié du revenu national) ainsi que les recettes des salles étrangères (qui égalent désormais celles des cinémas américains) donnent à ces gains des proportions sans précédent, qui compensent les pertes de tous les autres films. Cette évolution n'est pourtant pas sans poser de sérieuses questions pour l'avenir. La dépendance croissante à l'égard des marchés étrangers a des répercussions sensibles sur les scénarios et sur les styles. Les majors sont plus soucieuses de respecter le « plus grand commun dénominateur » intellectuel et culturel, tant du côté du « politiquement correct » que du recours aux valeurs sûres de la violence et des effets spéciaux. Ainsi est apparu, depuis vingt ans, comme produit hollywoodien type, un cinéma qu'il est de plus en plus difficile de nommer « américain ». Charles-Albert Michalet l'appelle « cinéma-monde ». La multiplication des remakes et des suites est aussi un symptôme du conservatisme qu'encourage le gigantisme, et il est significatif que la réalisation de ces films soit souvent confiée à des réalisateurs peu connus, auxquels on demande surtout de piloter sans heurts ni imprévus les énormes machines mises entre leurs mains. Au dire de ces cinéastes eux-mêmes, l'art y trouve difficilement son compte. Enfin, malgré l'augmentation des revenus, l'inflation des budgets prend un tour préoccupant. Le coût moyen a plus que doublé en dix ans (60 millions de dollars par film, auxquels il faut ajouter une trentaine de millions de publicité). L'augmentation des cachets des stars les plus populaires (en 1999 : Tom Cruise, Harrison Ford, Mel Gibson, Tom Hanks et Brad Pitt) n'est qu'une cause parmi d'autres de cette dérive, qui peut à terme déboucher sur une crise grave : face à une conjoncture qui paraît de plus en plus incertaine, Steven Spielberg lui-même a renoncé, en 1999, au projet de construction d'un nouveau studio à Playa Vista pour sa compagnie DreamWorks.

Le défi des nouvelles technologies

L'avenir artistique et peut-être, à terme, économique, de Hollywood dépendra de la façon dont les nouvelles technologies de la communication parviendront à compenser, plutôt qu'accélérer, les tendances actuelles. Le « décollage » de la télévision par câble et du magnétoscope dans les années 1980 a suscité, tout comme l'essor de la télévision après la guerre, des inquiétudes à Hollywood, mais la multiplication des médias, et notamment le boom de la vidéo, avec 40 000 magasins de vente et de location aux États-Unis, s'avère pour les studios une source extraordinaire de nouveaux profits. L'exploitation en salles, que certains jugeaient condamnée au début des années 1980, a été stimulée par des améliorations considérables de l'image et surtout du son, et n'a finalement pas souffert de la concurrence de ce nouveau mode de diffusion. Elle en assure d'ailleurs la promotion : si beaucoup de films bon marché – l'équivalent des séries B de jadis – ne sortent plus en salle et sont directement distribués en vidéo, la sortie cinéma reste la vitrine indispensable de toute œuvre qui ambitionne une diffusion nationale, a fortiori internationale.

L'essor des nouveaux médias (chaînes à péage du câble et du satellite, magnétoscope, vidéo-disque, CD-ROM et DVD, en attendant la haute définition et la généralisation du transport des films sur Internet) semblait ouvrir, dès le milieu des années 1980, des possibilités inédites à une production indépendante diversifiée, désormais capable d'avoir accès à des sources de financement nombreuses sans l'assistance des majors distributrices. Yoram Globus, des défuntes productions Cannon, assurait alors que n'importe quel film au budget modeste devait, sauf incompétence flagrante de ses producteurs, trouver sa rentabilité. Créé en 1978 par Robert Redford en marge de Hollywood, le festival de Sundance confirmait cet espoir, contribuant du même coup à la découverte de nouveaux talents (Steven Soderbergh, Quentin Tarantino ou les frères Hughes). Cette créativité est pourtant menacée depuis la fin des années 1980 par le mouvement de concentration économique qui accompagne la politique des blockbusters. L'explosion des nouveaux médias a en effet été suivie de leur prise de contrôle par les géants de l'industrie des loisirs qui espèrent en tirer de nouvelles synergies. Six compagnies contrôlent aujourd'hui, outre la totalité des grands studios hollywoodiens, l'essentiel de la production et de la diffusion éditoriale et audiovisuelle aux États-Unis : Time Inc. (Warner), Disney, Sony (Columbia Tristar), Seagram (Universal), Viacom (Paramount) et News Corp. (20th Century-Fox).
Cet oligopole a repoussé la production indépendante dans des « niches » où elle est étroitement surveillée et facilement récupérée mais où elle peine de plus en plus à survivre. Une situation qui affecte déjà l'évolution du jeune cinéma américain, sensiblement plus commercial et convenu qu'à la fin des années 1980. Le risque est grand pour les majors de tuer ainsi la poule aux œufs d'or, à savoir le laboratoire permanent de recherche et d'innovation que constitue depuis toujours la production indépendante. Il est toutefois permis d'espérer que le développement de technologies sans cesse plus performantes et plus accessibles pourra, sinon renverser, du moins limiter l'évolution en cours, et conserver au cinéma hollywoodien la diversité et la vitalité qui le font aimer aujourd'hui encore. Reste que l'avenir du cinéma américain, sinon du cinéma tout court, continue plus que jamais à se jouer à Hollywood. Centre incontesté de décision et de fabrication, son leadership se voit encore renforcé par la proximité des lieux de recherche de pointe dans le domaine de l'informatique et des technologies de l'image et du son : l'Industrial Light and Magic de George Lucas près de San Francisco, U.C.L.A. à Los Angeles, Microsoft à Seattle, ou les nombreuses sociétés spécialisées de jeux vidéo et d'images de synthèse de la Silicon Valley qui font parfois donner au nouvel Hollywood le nom de « Siliwood ».

Il existe de nombreuses controverses en ce qui concerne le cinéma hollywoodien. Plusieurs historiens et sociologues analysent le cinéma américain comme étant un cinéma national permis par la grosse industrie que sont Hollywood et Washington. Dans l’œuvre : Washington Hollywood : Comment l’Amérique fait son cinéma, les auteurs affirment que le cinéma hollywoodien a permis aux États-Unis de se forger une identité nationale représentée par le 7e art. Les origines de Hollywood auraient pris naissance grâce à une cristallisation très précise entre la politique de l’est et le développement de l’ouest. Il représenterait une arme très importante pour promouvoir le pouvoir politique des États-Unis comme première puissance mondiale à travers le monde et c’est pourquoi Washington n’a jamais hésité à renforcer son pouvoir sur cette industrie. Hollywood, La Mecque du Cinéma produit des rêves et des images et cela contribue à forger une identité nationale au sein du pays. Washington reconnaît également la capacité de Hollywood à promouvoir son marketing sur la population et n’hésite pas à utiliser ses films pour la création d’une hégémonie dans la culture américaine. Celui-ci met en avant la fierté nationale et cherche à représenter le plus possible l’autorité grâce à des symboles très précis. Le cinéma hollywoodien est là pour divertir, pour rassurer, mais aussi pour promouvoir l’american way of life.

De plus, en ce qui concerne cette même controverse, il existe une ambigüité dans les messages du cinéma hollywoodien qui cherche constamment à créer des ennemis contre lesquels la nation doit s’unir pour survivre et c’est grâce à ces méthodes que le cinéma rejoint le citoyen dans son appartenance à une nation. C’est pourquoi les thèmes principaux de l’industrie hollywoodienne rappellent souvent des genres issus de la culture populaire américaine8. C’est en ce sens que l’on peut affirmer que le cinéma hollywoodien classique promeut un cinéma de sécurité nationale. Les immenses productions que représente ce cinéma attirent un bon nombre de spectateurs et ceux-ci peuvent prendre position à la suite du visionnement de ces films. Plusieurs idées politiques sont très dominantes dans le cinéma américain et les positions officielles qui sont illustrées ont un poids énorme sur le public. On cherche à filmer la mise en danger de la nation et la capacité que le pouvoir militaire américain a pour réussir à rétablir la paix et à sauver la nation de l’ennemi. Donc, grâce à ces représentations, la nation développe une fierté nationale envers son pays et grâce à ce genre de message, le pouvoir politique peut se garantir une énorme confiance des citoyens américains en temps d’insécurité nationale.

L'un des spécialistes des superproductions, Florent Pallares, affirme que l'idéologie présente dans les films hollywoodiens semble s’être radicalisée depuis les attentats du 11 septembre 2001. Une radicalisation qui s’est traduite par un retour à l’esprit de la conquête de l’Ouest, basé sur une religion violente, qui n’arrive pas à imaginer un monde en paix autrement que par la prise des armes. Et qui véhicule parfois une idéologie douteuse auprès d’un public qui semble, dans sa majorité, totalement ignorant des processus de fabrication d’un film, n’y voyant qu’un simple divertissement, objectif. Les conditions de la mort d’Oussama Ben Laden peuvent refléter, une nouvelle fois, cette idéologie américaine présente dans certaines productions hollywoodiennes. La manière dont se serait déroulée son exécution, son corps jeté à la mer, l’utilisation de l’expression Justice est faite, cette impression de vengeance accueillie dans une ambiance proche du délire aux États-Unis, détonnent quelque peu avec l’attribution du prix Nobel de la paix 2009 à Barack Obama.

Aux États-Unis, le terme culture est assez restreint, peinture, littérature, philosophie et les créations culturelles sont considérées comme des marchandises. En comparaison, en Europe, compte tenu du fort lien historique à la culture, les services culturels y recouvrent un vaste champ et sont entendus largement. Alors qu’un film constitue une création artistique en Europe et bénéficie d’un régime particulier, outre-Atlantique il ne constitue qu’un simple divertissement, quelle que soit sa portée artistique. Le droit international et le droit européen distinguent les services audiovisuels des œuvres cinématographiques traditionnellement considérées comme des biens. Cela semble arbitraire, car la véritable valeur de ces œuvres réside dans leur contenu littéraire ou artistique, non dans le média choisi pour leur support. De plus, la convergence technologique des divers secteurs tirant parti des différents modes de fournitures et médias, a soulevé d’autres questions relatives à la portée et au caractère commercialisable des biens et services culturels, y compris des films. Les États-Unis, dont l’industrie audiovisuelle est le premier secteur d’exportation, réclament une ouverture plus grande des services audiovisuels à la concurrence. Le développement de la régulation des subventions a un impact croissant pour les services cinématographiques, telles que des subventions pour la distribution ou l’exploitation. Il exige une réflexion sur la nature des films et les mesures d’aide au cinéma. L’UE redoute notamment de devoir abandonner son système d’avances sur recette pour la production de films, considéré à Hollywood comme un mécanisme de subvention. Bien qu’hostile avant les années 1980 aux aides nationales au secteur audiovisuel, la Commission, sous l’impulsion de la France, a admis sous condition ce mécanisme. Cette exception garantit, selon elle, le respect de la diversité culturelle face à l’hégémonie américaine. Madrée, la maison de production californienne du groupe AOL Time Warner a toutefois réussi à créer une filiale 100 % française en vue d’avoir accès au compte de soutien français.

Il faut toutefois se rappeler que le compte de soutien français au cinéma et à l'audiovisuel est alimenté par un prélèvement forfaitaire sur les recettes de tous les films projetés en France, et notamment les films américains qui apportent, bon an mal an, quelque 50 % de ce prélèvement. Sur le site du Sénat français, plusieurs articles expliquent comment fonctionnent Les Aides publiques au cinéma en France », et l'on peut lire notamment dans le n°3, Le Système de soutien financier au cinéma français : La principale originalité du système français est que les interventions directes sur le budget de l'État sont pratiquement inexistantes et les interventions des régions, marginales. Le soutien financier est pour l'essentiel financé en interne, par les contributions obligatoires des entreprises concernées par les exploitations des films : salles de cinéma ; chaînes de télévision ; éditeurs vidéo. On apprend ainsi que 11 % du prix de la place de cinéma alimente le compte de soutien, tous films confondus, quelle que soit leur nationalité. D'autre part, 5,5 % du chiffre d'affaires des chaînes de télévision sont prélevés et redistribués principalement au cinéma (un peu plus de 1/3. Enfin, 2 % du plus gros marché des films, l'édition de DVD ou de Blu-Ray, sont ponctionnés pour nourrir ce compte de soutien, dont 85 % sont affectés exclusivement au cinéma. On peut dire ainsi que les films d'avances sur recette en France sont largement financés grâce au cinéma américain, qu'il soit de Hollywood ou indépendant.

Communautés
Little Armenia
Thai Town au bresil

Personnalités liées

River Phoenix, acteur américain † 31 octobre 1993 à 23 ans
Francis Scott Fitzgerald, écrivain et scénariste † 21 décembre 1940
Val Lewton, producteur et scénariste † 14 mars 1951
John Hodiak, acteur † 19 octobre 1955
Mack Sennett, cinéaste † 5 novembre 1960
Gary Cooper, acteur † 13 mai 1961
Marion Davies, actrice, † 22 septembre 1961
Michael Curtiz, cinéaste d'origine hongroise † 10 avril 1962
Frank Tuttle, cinéaste et scénariste † 6 janvier 1963
Norman Z. McLeod, cinéaste † 27 janvier 1964
Peter Lorre, acteur † 23 mars 1964
Dorothy Dandridge, actrice † 8 septembre 1965
Josef von Sternberg, cinéaste américain † 22 décembre 1969
Max Steiner, compositeur de musiques de films († 28 décembre 1971
Leo G. Carroll, acteur britannique † 16 octobre 1972
Leonardo DiCaprio, acteur né le 11 novembre 1974
Daron Malakian, guitariste du groupe System of a down (né le18 juillet 1975
James Yun, catcheur professionnel né le 13 mai 1981
Marilyn Monroe, actrice née le 1er juin 1926 † 5 août 1962
Robert William Service, auteur et poète vécut à Hollywood de 1940 à 1945. né le 16 Janvier 1874 † 11 Septembre 1958

Hollywood Boulevard

Hollywood Boulevard, pris depuis le Kodak Theatre
La plus célèbre avenue de Hollywood est Hollywood Boulevard ayant ouvert ses portes le 12 juillet 1981. Elle s'étend d'est en ouest depuis Vermont Avenue jusqu'à Sunset Boulevard.
Elle abrite non seulement le Walk of Fame (les fameuses étoiles avec le nom des stars), mais également le Grauman's Chinese Theatre et le Hollywood and Highland Center où sont remis tous les ans les Oscars. Devant ce bâtiment, un grand nombre de stars ont également laissé leurs traces par leurs empreintes de pieds et de mains et par un autographe à Sid Grauman, patron du théâtre.

Panneau Hollywood

L'image qui caractérise le plus le quartier est une colline située à l'ouest de Los Angeles, le Mont Lee, affublée de gigantesques lettres formant le nom de HOLLYWOOD. Il s'agissait à l'origine d'un panneau publicitaire, érigé en 1923 par des promoteurs immobiliers. Le panneau original, « HOLLYWOODLAND », qui était laissé à l'abandon, a été restauré en 1949 par la Chambre de Commerce d'Hollywood et a perdu à cette occasion ses quatre dernières lettres. Il y a eu un suicide d'une star: Peg Entwistle qui se jeta du haut de la lettre H en septembre 1932.


Le Capitol Records Building

Altitude : 477 mètres
Une tradition romantique et suicidaire poussa quelques artistes, qui se perçoivent comme maudits par le complexe médiatique broyeur de carrières, à se jeter du haut du Hollywood Sign, face à la cité des anges.
Le Capitol Records Building est une tour de 13 étages capable de résister aux tremblements de terre. Elle est connue pour avoir été le premier immeuble de bureaux de forme circulaire. Construite par Welton Becket pour la maison d'édition Capitol Records, elle accueille aujourd'hui plusieurs studios d'enregistrement. Son architecture rappelle l'aspect d'une pile de vinyles 45 tours sur un plateau tourne-disques.

Démographie

Le quartier comptait 123 436 habitants en 200014

Attraits de Hollywood

Hollywood est reconnu pour ses studios de cinéma, des touristes du monde entier viennent également y admirer le fameux panneau " HOLLYWOOD ".

Mots-valises formés sur Hollywood

Hollywood a donné un certain nombre de mots-valises pour désigner les productions cinématographiques abondantes de certains pays ou États pour l’Inde :
Bollywood : cinéma en hindi tourné à Bombay État indien du Maharashtra
Ghallywood : cinéma du Ghana
Jollywood : cinéma en assamais tourné à Jyoti Chitraban État indien de l’Assam
Vinewood : quartier de Los Santos, présentant toutes les caractéristiques de Hollywood et destiné à le parodier dans les jeux Grand Theft Auto 5 et Grand Theft Auto San Andreas
Kollywood : cinéma en tamoul tourné dans les studios de Kodambakkam à Chennai, ancienne Madras (État indien du Tamil Nadu)
Lollywood : cinéma pakistanais tourné à Lahore
Mollywood : cinéma en malayalam État indien du Kerala
Nollywood : cinéma du Nigéria
Ollywood : cinéma en oriya État indien de l’Orissa
Punjwood : cinéma en pendjabi État indien du Pendjab
Sandalwood : cinéma en kannada État indien du Karnataka
Tollywood, qui désigne deux genres :
le cinéma en bengali tourné à Tollygunge Calcutta, État indien du Bengale-Occidental
les films en télougou État indien de l’Andhra Pradesh


































[img width=600]http://dtfjihky7xwic.cloudfront.net/sites/default/files/styles/article_image/public/Activities/Points%20of%20Interest/hollywood-sign-mulholland-highway.jpg?itok=XYvSltiD[/img]

Le 1 Février 1954, l''abbé Pierre lance un appel

en plein Hiver, alors que la température tombe en dessous de - 15 °C de façon prolongée, cet ancien résistant et ancien député MRP, va lancer des appels médiatiques nationaux à la solidarité sociale pour venir en aide aux pauvres et aux sans domicile fixe en danger de mourir de froid dans l'ignorance sociale et médiatique complète.
Son message, appel au secours, diffusé sur les ondes de Radio-Luxembourg, est un appel à venir en aide aux sans-abri qui provoquera un électrochoc dans la France d'après-guerre.
En cet hiver 1954, Paris grelotte par moins 15 degrés. Des glaçons flottent sur la Seine. Des millions de logements font défaut alors que le pays doit faire face aux destructions de la guerre et à un fort exode rural. Des familles entières ont gagné les villes, créant des poches de pauvreté. Les bidonvilles se développent. Les mesures gouvernementales se font cruellement attendre.
Les couche-dehors, comme la presse appelle les SDF à l'époque, recouvrent les grilles d'aération malodorantes du métro ou se réfugient sous les ponts. Quatre semaines plus tôt, le petit Marc, âgé de trois mois, est mort de froid dans les bras de sa mère à Neuilly-Plaisance. La même nuit, l'Assemblée nationale votait contre le déblocage d'un milliard de francs pour la construction de logements d'urgence.

L’élan de solidarité

L'abbé Pierre, de son vrai nom Henri Grouès, 42 ans, ancien résistant et ancien député, vient de créer Les Compagnons d'Emmaus, mouvement laïc qui a pour objectif de lutter contre l'exclusion et la misère. Son appel à l'insurrection de la bonté, selon les titres des journaux, sera le premier d'une longue série de coups de gueule par voie de presse.
Il est entendu de toute la population français émue, de l'Assemblée nationale et du gouvernement français qui répondent avec générosité à son appel et contribuent à permettre à l'abbé de fonder officiellement le 12 mars 1954 l'Association Emmaüs.

Intégral de l'appel de l'Abbé Pierre :

Mes amis, au secours...

Une femme vient de mourir gelée, cette nuit à 3 heures, sur le trottoir du boulevard Sébastopol, serrant sur elle le papier par lequel, avant-hier, on l'avait expulsée. Chaque nuit, ils sont plus de 2000 recroquevillés sous le gel, sans toit, sans pain, plus d'un presque nu. Devant l'horreur, les cités d'urgence, ce n'est même plus assez urgent!

Écoutez-moi ! En trois heures, deux premiers centres de dépannage viennent de se créer : l'un sous la tente au pied du Panthéon, rue de la Montagne Sainte Geneviève; l'autre à Courbevoie. Ils regorgent déjà, il faut en ouvrir partout. Il faut que ce soir-même, dans toutes les villes de France, dans chaque quartier de Paris, des pancartes s'accrochent sous une lumière dans la nuit, à la porte de lieux où il y ait couvertures, paille, soupe, et où l'on lise sous ce titre « centre fraternel de dépannage », ces simples mots : « Toi qui souffres, qui que tu sois, entre, dors, mange, reprends espoir, ici on t'aime ».

La météo annonce un mois de gelées terribles. Tant que dure l'hiver, que ces centres subsistent, devant leurs frères mourant de misère, une seule opinion doit exister entre hommes : la volonté de rendre impossible que cela dure. Je vous prie, aimons-nous assez tout de suite pour faire cela. Que tant de douleur nous ait rendu cette chose merveilleuse : l'âme commune de la France. Merci! Chacun de nous peut venir en aide aux sans abri. Il nous faut pour ce soir, et au plus tard pour demain: 5.000 couvertures, 300 grandes tentes américaines, 200 poêles catalytiques.

Déposez-les vite à l'hôtel Rochester, 92, rue de la Boétie ! Rendez-vous des volontaires et des camions pour le ramassage, ce soir à 23 heures, devant la tente de la montagne Sainte Geneviève.

Grâce à vous, aucun homme, aucun gosse ne couchera ce soir sur l'asphalte ou sur les quais de Paris.

Sa vie

Le 22 janvier 2007 à Paris V, à 94 ans, meurt Henri Grouès, dit l’abbé Pierre, né le 5 août 1912 à Lyon, meurt le 22 Janvier 2007, à 94 ans, à Paris Ve, il est nommé Castor méditatif chez les Scouts dans sa jeunesse et " Le père" au sein du Mouvement Emmaüs, prêtre catholique français de l'Ordre des Frères mineurs capucins, résistant, puis député, fondateur du mouvement Emmaüs, organisation laïque de lutte contre l'exclusion comprenant la Fondation Abbé-Pierre pour le logement des défavorisés et de nombreuses autres associations, fondations et entreprises de l'économie sociale, en France.

L'abbé Pierre avant Emmaüs

Henri Grouès est né à Lyon IVe dans une famille bourgeoise aisée et pieuse de négociants en soie lyonnais, originaire, du côté paternel, du hameau de Fouillouse à Saint-Paul-sur-Ubaye, son père y est négociant, son grand-père marchand toilier et son arrière-grand-père propriétaire-cultivateur-colporteur, et de Tarare dans le Rhône du côté maternel. Il est le cinquième de huit enfants. Il a été baptisé à l'église Saint-Eucher, dans le 4e arrondissement de Lyon. Il passe son enfance à Irigny, une commune au Sud-Ouest de Lyon. À 12 ans, il accompagne son père à la confrérie séculaire des Hospitaliers veilleurs, où les bourgeois se font coiffeurs barbiers pour les pauvres.

Élève à l'internat Saint-Joseph actuel lycée Saint-Marc, il fait partie des scouts de France, dans lesquels il fut totémisé Castor Méditatif. Il connaît de son propre aveu une série d'illuminations : en 1928 à 16 ans, à l'occasion d'un pèlerinage à Rome, il est frappé d'un coup de foudre avec Dieu selon ses propres mots, à la suite duquel il veut entrer dans les ordres franciscains, cependant il devra attendre d'avoir 17 ans et demi.

Entrée dans les ordres

En 1931, il fait profession chez les capucins où il prononce ses vœux. Il renonce cette année-là à sa part du patrimoine familial, et donne tout ce qu’il possède à des œuvres caritatives. En religion, Henri Grouès devient frère Philippe. En 1932, il entre sous le nom de frère Philippe au couvent des Capucins de Crest Drôme, où il passe sept années d’austérité religieuse.
Le samedi 18 décembre 1937, il est ordonné diacre par monseigneur Camille Pic, évêque de Valence Drôme dans la chapelle du Grand Séminaire, 75 rue Montplaisir, qui abrite aujourd’hui le lycée privé catholique Montplaisir.
Il est ordonné prêtre le 24 août 1938 en la chapelle du lycée Saint-Marc, en même temps que le jésuite Jean Daniélou, futur cardinal. En accord avec ses supérieurs, il quitte le couvent le 18 avril 1939 à cause de sa santé fragile. Le cardinal Gerlier l'invite alors à intégrer le diocèse de Grenoble où il est incardiné le 2 mai 1939 et nommé le 14 mai suivant vicaire à la basilique Saint-Joseph de Grenoble par l'évêque Mgr Caillot.

Rien, pourtant, ne laissait entrevoir ce qui allait, pendant un demi-siècle, devenir le mythe abbé Pierre. Henri Grouès venait, il le dit lui-même, de vivre la jeunesse turbulente d'un bourgeois quand, à l'âge de quinze ans, malade, il rentre d'un pèlerinage de collégiens et s'arrête avec eux à Assise. C'est la semaine de Pâques. Le jeune Henri part seul sur un chemin à flanc de montagne « et là, dit-il, deux évidences se sont imposées à moi : l'universalité et l'intensité d'action qu'il y avait dans l'adoration. Quelque temps plus tard, le soir de leurs noces d'argent, il annonce à ses parents qu'il veut se faire moine cloîtré, dans l'ordre le plus pauvre, celui des Capucins. Il y restera sept ans, priant toutes les nuits de minuit à deux heures du matin.Cette notion d'adoration, confiera-t-il plus tard, a été là, à Assise, un choc qui a marqué ma vie entière. C'est dans la prière contemplative en effet qu'il puisera, tout au long de son existence au service des plus pauvres, la force d'agir. Ce qui fait dire à son biographe Pierre Lunel que l'abbé Pierre était un mystique agissant.
Sa santé fragile oblige Henri Grouès à quitter la vie religieuse cloîtrée. Il devient donc simple prêtre, le 24 août 1938. Quelques années plus tard, exerçant son ministère de vicaire à la cathédrale de Grenoble, il héberge les juifs qui frappent à sa porte. Nous sommes en juillet 1942. Un peu de temps encore, et voilà Grouès qui participe à l'organisation des maquis en Chartreuse et dans le Vercors. Il emprunte alors différents noms, dont celui d'abbé Pierre. Le résistant qu'il est devenu rejoint le général de Gaulle à Alger en 1944. Le goût de servir son pays l'a saisi et le poursuit. De 1945 à 1951, l'abbé Pierre est député M.R.P. de Meurthe-et-Moselle. La politique est, pour lui, synonyme de défense du bien commun. Il ne cessera jamais de s'en faire l'avocat et d'y trouver des alliés pour l'immense croisade contre la pauvreté qu'il va mener.

Seconde Guerre mondiale

Il est mobilisé comme sous-officier dans le régiment du train des équipages, en décembre 1939, au début de la Seconde Guerre mondiale.
Selon sa biographie officielle issue des archives officielles du ministère de la Défense nationale, vicaire à la cathédrale Notre-Dame de Grenoble, il recueille des enfants juifs dont les familles ont été arrêtées lors des rafles des Juifs étrangers en zone Sud, en août 1942.
En novembre 1943 il fait passer en Suisse le plus jeune frère du général de Gaulle, Jacques, ainsi que son épouse qu’il confie au réseau de l’abbé Marius Jolivet, curé de Collonges-sous-Salève. Il participe à la création de maquis dont il est un des leaders dans le massif du Vercors et le massif de la Chartreuse. C’est à cette époque qu’il rencontre Lucie Coutaz, qui le cache sous un faux nom, et restera sa secrétaire particulière jusqu’à sa mort en 1982. Elle est considérée comme la cofondatrice du Mouvement Emmaüs.
Il aide les réfractaires au service du travail obligatoire STO. Il prend le nom d’abbé Pierre dans la clandestinité. En 1944, il est arrêté par l’armée allemande à Cambo-les-Bains, dans les Pyrénées-Atlantiques, mais est relâché et passe en Espagne puis rejoint via Gibraltar le général de Gaulle à Alger en Algérie. Il devient aumônier de la Marine sur le cuirassé Jean Bart à Casablanca Maroc.
Ses actions dans la résistance lui valent la croix de guerre 1939-1945 avec palme à la Libération. De son expérience passée et des drames dont il a été témoin, il doit, comme bien d’autres résistants de tout bord qui l’ont côtoyé, son engagement politique pour restaurer une société digne fondée sur les droits humains fondamentaux, mais aussi sa profonde détermination à agir pour des causes qu’il croit justes, y compris parfois dans l’illégalité, et à mobiliser autour de lui pour faire changer les lois établies et les regards indifférents.

Carrière politique

Henri Grouès
Fonctions
Député de la Meurthe-et-Moselle
1945 – 1951
Législature assemblées nationales constituantes
Ire législature de la IVe République
Biographie
Parti politique Mouvement républicain populaire MRP
modifier
Après la guerre, sur les conseils de l’entourage du général de Gaulle, et l’approbation de l’archevêque de Paris, il est élu député de Meurthe-et-Moselle aux deux assemblées nationales constituantes 1945-1946, comme indépendant apparenté au Mouvement républicain populaire MRP de résistants démocrates-chrétiens, puis à l’Assemblée nationale de 1946 à 1951, où il siège d’abord au sein du groupe MRP. Sa profession de foi affiche un programme proche du populisme, ni capitaliste, ni collectiviste.
En 1947, il est vice-président de la Confédération mondiale, mouvement fédéraliste universel de promotion de la mondialisation démocratique. Avec Albert Camus et André Gide, il fonde le comité de soutien à Garry Davis, fondateur du mouvement des citoyens du monde, qui s’oppose à la remontée rapide des égoïsmes nationaux et déchire son passeport devant l’ambassade américaine.
Il se désolidarise du parti politique après l’incident sanglant de Brest d’avril 1950, ayant provoqué la mort de l’ouvrier Édouard Mazé. Dans sa lettre de démission du 28 avril 1950, Pourquoi je quitte le MRP, il dénonce les positions politiques et sociales du Mouvement. Il rejoint ensuite la Ligue de la jeune République, mouvement chrétien socialiste. Mais, il ne se représentera plus à l’Assemblée à la fin de son mandat : sa courte carrière politique se termine en 1951 et l’abbé Pierre retourne à sa vocation première de prêtre-aumônier et s’investit, avec sa petite rente d’ex-député, dans ses actions caritatives.

L'abbé Pierre et Emmaüs

Fondation d’Emmaüs Mouvement Emmaüs.

Il fonde en 1949 le Mouvement Emmaüs, en référence à Emmaüs, village de Palestine apparaissant dans un épisode du dernier chapitre de l'Évangile selon saint Luc. Ce mouvement est une organisation laïque de lutte contre l'exclusion, présente aujourd'hui dans 36 pays du Monde. Il commence ainsi dès l'été 1949 par fonder la communauté Emmaüs de Neuilly-Plaisance, au 38 avenue Paul Doumer, au départ auberge de jeunesse.
La rencontre avec George, désespéré qui a perdu toute raison de vivre, et à qui l'abbé Pierre demande "Viens m'aider à aider marque cependant le véritable acte fondateur du Mouvement Emmaüs.
Les communautés Emmaüs se financent par la vente de matériels et d’objets de récupération et construisent des logements :
Emmaüs, c'est un peu la brouette, les pelles et les pioches avant les bannières. Une espèce de carburant social à base de récupération d'hommes broyés.
Non réélu en 1951 en raison du système des apparentements, il perd ses 12 000 € d'indemnités de député et est réduit à mendier ou vendre des publications à la dérobée pour subvenir aux besoins d'Emmaüs. Dans le même temps, les compagnons d'Emmaüs systématisent la chine qui est complétée à partir de février 1952 par la biffe sur le tas.
Le 29 mars 1952, il participe au jeu Quitte ou double animé par Zappy Max sur Radio Luxembourg pour alimenter financièrement son combat, où il gagnera 512 000 francs de l'époque, ce qui correspond à près de 12 000 $ actuels.

Hiver 1954 : L'insurrection de la bonté Histoire des luttes pour le logement en France.

L’abbé Pierre acquiert sa notoriété à partir du très froid hiver de 1954, meurtrier pour les sans-abri.
Il lance le 1er février 1954 un appel mémorable sur les antennes de Radio-Luxembourg future RTL, qui deviendra célèbre sous le nom d'« Appel de l'abbé Pierre.
Le lendemain, la presse titra sur l’insurrection de la bonté. L’appel rapportera 500 millions de francs en dons, dont 2 millions par Charlie Chaplin qui dira à cette occasion : Je ne les donne pas, je les rends. Ils appartiennent au vagabond que j'ai été et que j'ai incarné, une somme énorme pour l’époque et complètement inattendue, des appels et courriers qui submergèrent complètement le standard téléphonique de la radio, et des dons en nature d’un volume si immense qu’il fallut des semaines pour simplement les trier, les répartir et trouver des dépôts pour les stocker convenablement un peu partout en France.
Avec l'argent rassemblé suite à son appel à la radio, il fait construire des cités d'urgence, dont celle de Noisy-le-Grand ressemble à un bidonville car elle s'inspire du projet de l'architecte américain Martin Wagner, les bâtiments sont en forme de demi bidon métallique. Ces cités appelées à être provisoires se transformèrent progressivement, dans le meilleur des cas, en cités HLM.

Le combat de l’abbé Pierre a aussi permis l’adoption d’une loi interdisant l’expulsion de locataires pendant la période hivernale.

Les événements de l'hiver 1954 ont donné lieu, en 1989, à un film de Denis Amar, Hiver 54, l'abbé Pierre, avec Claudia Cardinale et Lambert Wilson.

Développement d'Emmaüs

L’appel de 1954 attira des bénévoles de toute la France pour aider d’abord à la redistribution, mais aussi fonder les premiers groupes se réclamant de cet appel. Rapidement, il dut organiser cet élan inespéré de générosité, et le 23 mars 1954 il fonde, avec ces dons, l'Association Emmaüs, ayant pour objectif de regrouper l'ensemble des communautés Emmaüs. Cependant, l'association Emmaüs perdra rapidement ce rôle de fédération des groupes Emmaüs, pour se concentrer sur la gestion des centres d'hébergement et d'accueil Emmaüs de Paris et sa région.
À l'époque, ces communautés construisent des logements pour les sans-abri, et les accueillent en leur procurant non seulement toit et couvert en situation d’urgence mais aussi un travail digne. Nombre de compagnons d’Emmaüs seront ainsi d’anciens sans-abri, de tous âges, genres et origines sociales, sauvés de la déchéance sociale ou parfois d’une mort certaine et rétablis dans leurs droits fondamentaux, par les communautés issues de cet élan de générosité à qui ils retournent leurs remerciements par leur propre engagement caritatif.
Le Mouvement Emmaüs se développe ensuite rapidement dans le monde entier, au gré des voyages de l'abbé Pierre, principalement en France et en Amérique Latine.
En 1963, il est victime d'un naufrage dans le Río de la Plata, Argentine. Annoncé mort pendant quelques jours, l'abbé Pierre prend alors conscience que sa mort signifierait la disparition du seul lien entre les groupes Emmaüs du monde, ce qui aurait pu mener à la disparition du mouvement. C'est donc à la suite de cet événement que l'abbé Pierre décide de préparer la fondation d'Emmaüs International, qui verra le jour en 1971.
Ainsi, d'abord très désorganisé et très spontané, le mouvement Emmaüs se structure progressivement jusqu'à acquérir sa forme actuelle. En 1985 est créée l'association Emmaüs France, qui regroupe alors tous les groupes Emmaüs français, alors que l'association Emmaüs se focalise sur Paris et ne joue plus son rôle initial de fédération.
Plus tard, en 1988, l'abbé Pierre crée avec son ami Raymond Étienne la Fondation Abbé-Pierre pour le logement des défavorisés, reconnue d'utilité publique en 1992. Cette fondation a pour objet la lutte contre le mal-logement.

Rôle au sein d'Emmaüs

L'abbé Pierre est, avec sa secrétaire Lucie Coutaz, à l'origine d'Emmaüs. Cependant, il n'en a jamais été un dirigeant opérationnel. D'un caractère spontané, il est peu porté vers l'organisation. Ainsi, il préférera toujours créer de nouvelles structures, initier de nouveaux projets, que de gérer celles qui existent.
Par exemple, il marquera à plusieurs reprises son opposition à la création de l'Union centrale de communautés Emmaüs, qui en 1958 se donne pour objet de professionnaliser la gestion des communautés Emmaüs, et qui selon l'abbé Pierre voulait donner une trop rigide définition de tout.
Cependant, l'abbé Pierre a bien conscience de la nécessité d'une telle structuration, même si elle ne correspond pas à son penchant naturel. Il encouragera ainsi la fondation d'Emmaüs International en 1971.
Le curé-député a fondé, en 1949, les premières communautés des Chiffonniers d'Emmaüs après avoir accueilli dans sa maison un forçat assassin et commencé avec lui à bâtir pour les sans-abri. Mais la réalité sociale de l'après-guerre dépasse de loin ce qu'il avait imaginé. Ils sont des milliers, probablement plutôt des dizaines de milliers, à mourir de froid dans le trop rude hiver de l'année 1954. L'abbé Pierre, qui n'en peut plus de ce trop douloureux spectacle, décide de s'adresser à la France entière. Sur Radio Luxembourg la voix fragile s'écrie : Mes amis, au secours ! L'insurrection de la bonté et de la solidarité commence. Les couvertures et les dons affluent. Emmaüs accueille les blessés de la vie et leur propose de se remettre en route en vivant dans des communautés de travail. La dynamique ne s'arrêtera plus. De la région parisienne à l'Afrique, de l'Amérique latine à l'Asie, l'abbé Pierre sera désormais sur tous les fronts de la misère, compagnon de tous les damnés de la terre, mais prenant, chaque jour, le temps de célébrer la messe et de prier là où il se trouve. Mystique agissant, toujours et partout, récompensé en 1991 par le prix Balzan pour l'humanité, la paix et la fraternité entre les peuples.
C'est à cet apôtre sans cesse aux aguets, à ce curé de la misère à la barbe broussailleuse que les Français voueront une admiration sans réserve et une sympathie sans faille de 1954 à 2007. En témoigneront le succès du film Hiver 54, qui raconte le début de son épopée, ses nombreux livres et entretiens, ainsi que les innombrables récompenses dont il sera gratifié. La seule exception concerne le court moment, en 1996, où il apporta un appui malheureux au philosophe marxiste Roger Garaudy, converti à l'islam et auteur d'un livre à caractère antisémite. Les évêques français le désapprouvèrent publiquement et la presse nationale lui en fit reproche.
Comment expliquer cette ferveur si constante ? Peut-être l'abbé Pierre fut-il, dans notre société de l'instant, des modes et de l'individualisme, un pôle permanent de solidarité et de fraternité ? Sans doute fut-il aussi, face aux structures lourdes et lentes des administrations et de la politique, un vecteur de mauvaise conscience et une voix forte d'indignation contre l'extrême pauvreté, jusqu'aux derniers mois de sa vie. Mais cet homme de prière et d'action fut également, aux yeux des croyants et des non croyants, un homme profondément libre, secouant de temps à autre sa propre Église. À propos, par exemple, de l'usage nécessaire du préservatif face au sida ou bien encore du mariage des prêtres, sans oublier le soutien public qu'il apporta à Mgr Gaillot lors de son éviction de l'évêché d'Évreux.
À Rome, dans une allocution à sa mémoire, quelques jours après sa mort survenue le 22 janvier 2007, le cardinal Roger Etchegaray disait de l'abbé Pierre qu'il était une âme d'acier trempé dans l'amour. Il n'y a sans doute pas hommage plus mérité.

Sa mort

L’abbé Pierre meurt le lundi 22 janvier 2007, tôt le matin, 5 h 25 heure locale, à l’hôpital du Val-de-Grâce à Paris, des suites d’une infection du poumon droit consécutive à une bronchite. Il était âgé de 94 ans.
Il affirmait : J’ai passé ma vie à prier Dieu pour mourir jeune, et ajoutait : Vous voyez, c’est raté ! L'abbé Pierre faisait également régulièrement allusion à sa mort en évoquant son départ en grandes vacances.

Hommages

L’ensemble de la classe politique française ne tarit d’éloges et reconnaît le travail réalisé par l’abbé Pierre, notamment le président de la République Jacques Chirac, le Premier ministre Dominique de Villepin, la candidate socialiste Ségolène Royal et le candidat de l'UMP Nicolas Sarkozy.
De très nombreuses associations et fondations françaises ou internationales qui ont milité avec l’abbé Pierre dans des causes communes en faveur des plus démunis lui rendent le jour même un vibrant hommage par des communiqués officiels.
L’ancien président de la République Valéry Giscard d'Estaing demande que soient célébrées des obsèques nationales » en l’honneur de l’abbé Pierre. La présidence de la République se prononce le jour de sa mort pour savoir si un hommage national ou un deuil national, la plus haute distinction funéraire française serait rendu. Conformément aux souhaits de la Fondation Abbé Pierre et la famille qui semble s’opposer à la seconde option, c’est la première option qui est choisie, réservée tout de même à des personnalités telles que Jean-Paul II et le Commandant Cousteau, plus conforme au testament de l’abbé qui préférait que tout l’argent serve plutôt à la collecte au profit des œuvres de sa Fondation, à laquelle il a donné tout au long de sa vie l’ensemble de ses droits ainsi que les dons personnels faits à son nom.
Une chapelle ardente est ouverte à tous, les mercredi 24 et jeudi 25 janvier 2007, toute la journée, à l'église du Val-de-Grâce à Paris, où son cercueil simplement surmonté de sa canne et son béret est exposé aux remerciements du public ; un hommage populaire à l’abbé Pierre est organisé par le Mouvement Emmaüs le jeudi 25 janvier au Palais omnisport de Paris-Bercy, de 19 à 23 heures. Par ailleurs, des livres d’or collectent les hommages populaires à Paris, Metz et dans plusieurs communautés Emmaüs du Sud de la France ; face aux demandes, d’autres communautés Emmaüs en France ou dans le monde recueillent aussi les hommages du public.
À Lyon, sa ville de naissance, une messe commémorative est dite par l'archevêque de Lyon et Primat des Gaules, le Cardinal Philippe Barbarin en la Primatiale Saint-Jean l'église Saint-François de Sales, associée à l'Abbé Pierre, a d'abord été envisagée, mais sa taille n'aurait pas permis d'accueillir le public dans des conditions de sécurité suffisantes. Lors de cette messe, l'évangile est proclamé par un diacre, neveu de l'abbé Pierre.

Obsèques

À la suite de la demande de la famille, les drapeaux français n'ont pas été mis en berne lors de l’hommage national. Les obsèques se sont déroulées le vendredi 26 janvier à 11 heures, dans la cathédrale Notre-Dame de Paris. Diverses personnalités de tous bords se sont jointes à la cérémonie, placées derrière Jacques Chirac, de nombreux membres du mouvement Emmaüs et la famille : Valéry Giscard d'Estaing, Dominique de Villepin, de nombreux ministres français, des artistes… ainsi qu’une immense foule anonyme. Fait rare en France, le cortège funéraire a été applaudi par le public, ainsi que dans la cathédrale.
Durant la cérémonie, les représentants officiels de différentes religions étaient présents et lui ont remis symboliquement des cadeaux placés sur son cercueil, posé à même le sol.
Son cercueil a ensuite été transféré vers le village d’Esteville dans la Seine-Maritime, où l’abbé Pierre a résidé pendant plusieurs années, et où se trouve un centre d'accueil toujours en activité aujourd'hui et géré par l'Association Emmaüs de Paris : la Halte d'Emmaüs. Son enterrement s'est déroulé dans la plus stricte intimité.
Plusieurs personnalités politiques se prononcent déjà pour le transfert de sa tombe au Panthéon, malgré le souhait de l’abbé dans son livre-testament et ses déclarations.

Rencontres et actions internationales

Rencontres avec les représentants de l'église catholique
L’abbé Pierre a rencontré au cours de sa vie les papes Pie XI, Pie XII, Jean XXIII et à plusieurs reprises Jean-Paul II ; trop fatigué pour voyager il n’a pas pu rencontrer directement le nouveau pape de l'époque Benoît XVI, mais il a noué des contacts épistolaires.

Bien qu’ayant souvent critiqué les positions de l’Église et tenu des propos parfois interprétés comme anticléricaux, l’abbé Pierre ne s’est jamais placé contre l’Église et tenait plus que tout à sa mission pastorale mais non prosélyte ; il respectait sa hiérarchie, à laquelle il reprochait seulement mais ouvertement d’user de trop de faste, et il a conservé sa liberté de ton et d’action ainsi que sa franchise même sur les sujets réputés dérangeants.

Autres rencontres et actions internationales

Refusant toute montée en responsabilité au sein de l’Église pour pouvoir se consacrer à ses missions au plus près du peuple, il a su cependant rencontrer les plus grands, et il a rencontré des membres éminents de la communauté scientifique, politique ou religieuse internationale notamment :
1944 : le général de Gaulle à Alger en Algérie française, après son arrestation par l’armée allemande et son évasion via l’Espagne.
1945 : le père Teilhard de Chardin et le philosophe Nicolas Berdiaëff, chez lui, deux hommes que l’abbé Pierre tentera vainement de concilier et de faire se comprendre l'un l'autre.
1948 : Albert Einstein à l’Université de Princeton aux États-Unis, pour discuter avec lui des trois explosions atomiques et appeler avec lui de ses vœux à la fondation d’un mouvement international pour le désarmement et la paix dans le monde.
1956 : le président tunisien Habib Bourguiba pour le convaincre de parvenir à l’indépendance de la Tunisie sans violence.
1955 : le président américain Dwight David Eisenhower dans le Bureau ovale, à qui il remet un exemplaire de son livre Les chiffonniers d’Emmaüs.
Le roi du Maroc, Mohammed V, à qui il dépêche deux missionnaires pour l'exhorter à trouver des solutions aux bidonvilles en favorisant le logement rural.
1956 : de nombreuses rencontres internationales, aux Pays-Bas, Portugal, Autriche, Inde, Suisse, Maroc. Il rencontre le Premier ministre indien Nehru, avec Indira Gandhi, et le sage indien Vinoba Vabe pour soutenir sa marche agraire non violente.
1958-1959 : conférences dans les pays scandinaves et d’Amérique du Sud. Le ministre de l’Éducation nationale du Pérou fait appel à lui pour développer l’éducation des populations pauvres. Le père Camillo Tores en Colombie lui demande conseil sur la position de l’Église colombienne qui renie l’action des prêtres ouvriers. Il rencontre l’évêque des indiens en Équateur pour lui demander de freiner la construction de lieux de cultes somptueux dans des quartiers déshérités.
1959 : au Liban, il crée à Beyrouth la première communauté d’Emmaüs multiconfessionnelle, l'Oasis de l'espérance, fondée par un musulman sunnite, un archevêque chrétien melkite et un écrivain maronite.
1962 : il est reçu dans l’ermitage du père Charles de Foucauld à Béni-Abbés en Algérie où il réside pendant plusieurs mois.
1963 : on le presse lors de sa convalescence en Argentine, de fédérer les communautés Emmaüs du monde dans Emmaüs International, qui se réunira en 1969 à Berne en Suisse, et en 1971 à Montréal au Québec au Canada, date de création officielle de l'association Emmaüs International.
1971 : il est appelé en Inde par Jayaprakam Narayan pour représenter avec la Ligue des droits de l'homme la France dans la question du règlement des réfugiés. Indira Gandhi l’invite à son tour pour traiter des réfugiés bengalis. L’abbé Pierre s’engage en fondant des communautés Emmaüs au Bangladesh.
1985 : il apporte son soutien au comique Coluche qui, comme lui avant, fait un appel le 26 septembre sur les ondes pour venir en aide aux affamés. Là encore la réponse publique à cette idée est inespérée, et Coluche avec le soutien des associations caritatives et de nombreuses personnalités, lance le mouvement des Restos du Cœur (Coluche offrira 1 million de francs à Emmaüs quelques mois avant sa mort en mars 1986. L’abbé qui apporte son soutien y voit la preuve que son combat lancé en 1954 peut être repris aussi efficacement par d’autres après lui, et il se convainc à nouveau de l’utilité des médias pour soutenir ses propres actions dans les communautés d’Emmaüs. Dès lors, il se fera plus visible et fera appel aux personnalités. La Fondation Abbé-Pierre bénéficiera de la loi Coluche votée après sa mort, peu après ce lancement. La mort de son ami Coluche le marquera durement lorsque l’Abbé Pierre célèbrera ses obsèques, pour reprendre ensuite son combat médiatique avec le soutien de nombreuses personnalités du spectacle et anonymes.
1988 : il rencontre les représentants du Fonds monétaire international pour trouver une solution à la dette extérieure des pays du Tiers Monde.
1990 : il voyage aux États-Unis et au Brésil pour accompagner la sortie du film biographique Hiver 54, l'abbé Pierre de Denis Amar avec Lambert Wilson dans son rôle et Claudia Cardinale. Film qui retrace une partie de son action et la médiatisation de son combat contre la pauvreté avec les communautés d’Emmaüs.
1991 : il s’adresse directement aux présidents George H. W. Bush et Saddam Hussein, lors de la première guerre du Golfe. Il exhorte le gouvernement français à prendre des initiatives pour répartir la charge des réfugiés dans le monde, par un organisme disposant de plus de moyens que le HCR actuel des Nations unies avec le bon vouloir des nations. Il rencontre le Dalaï-Lama lors des journées inter religieuses pour la paix.
1994 : L’abbé Pierre devient propriétaire de la vigne à Farinet, la plus petite vigne cadastrée du monde, créée par Jean-Louis Barrault, et dont le vin est vendu au profit d’une œuvre humanitaire. En août 1999, à l'occasion d'une visite conjointe dans la commune suisse de Saillon à proximité, l’abbé Pierre remit la vigne au Dalaï Lama, qui en est actuellement le propriétaire. L'abbé Pierre souhaita revoir cette vigne avant de mourir, et un survol en hélicoptère en était prévu avec Bruno Bagnoud, patron d'Air Glaciers, mais le fondateur d'Emmaüs quitta ce monde quelques jours avant.
1995 : à Sarajevo, Bosnie-Herzégovine, sous les bombardements de la ville assiégée depuis 3 ans par les forces serbes, il exhorte les nations du monde à intervenir d’urgence pour faire cesser les massacres.
1999 : il signe l'Appel à la Fraternité, en soutien au collectif du même nom, Collectif Appel à la fraternité, lancé par Jean-Louis Sanchez.
2000 : il a été parrain de l'EICD 3A à Lyon.
2001 : le président Jacques Chirac lui remet les insignes de grand officier de la Légion d’honneur, avant de l’élever à la dignité de grand-croix, la plus haute distinction française, pour ses services rendus à la Nation.
2004 : il se rend en Algérie pour l’inauguration de maisons reconstruites par la Fondation Abbé-Pierre, après le tremblement de terre ayant frappé le pays l’année précédente.

Image et polémiques Image publique

Mythe de l'abbé Pierre selon Roland Barthes
L’image du grand barbu en soutane, en grosse pèlerine élimée avec une canne, un béret et des godillots que lui a un jour offerts un sapeur-pompier, forge vite son statut de héros légendaire, de juste d'après son testament évoqué par les membres du Mouvement Emmaüs, cette pèlerine emblématique reviendra au Musée des pompiers de Paris.
Après l’appel de 1954 et la sortie du film Les Chiffonniers d'Emmaüs consacré à l’abbé Pierre, Roland Barthes a analysé, en 1957, son visage qui présente clairement tous les signes de l’apostolat : le regard bon, la coupe franciscaine, la barbe missionnaire, tout cela complété par la canadienne du prêtre-ouvrier et la canne du pèlerin. Ainsi sont réunis les chiffres de la légende et ceux de la modernité. Sa coupe, équilibre neutre entre le cheveu court … et le cheveu négligé, approche selon le sémiologue l’intemporalité de la sainteté, et l’identifie à saint François d’Assise. La barbe, celle du capucin et du missionnaire, symbolise quant à elle la pauvreté et la vocation apostolique comme pour le père de Foucauld. Son visage évoque donc à la fois la spiritualité de l’homme, le combat de son sacerdoce, et sa liberté vis-à-vis de sa hiérarchie. Pour Pierre Bourdieu, l’abbé est même un prophète, surgissant en temps de disette, de crise, prenant la parole avec véhémence et indignation.
Mais Barthes se demande aussi si la belle et touchante iconographie de l’abbé Pierre n’est pas l’alibi dont une bonne partie de la nation s’autorise, une fois de plus, pour substituer impunément les signes de la charité à la réalité de la justice. Cette grande popularité en France ne s’est jamais démentie, les enquêtes d’opinion de la presse le plaçant pendant une dizaine d’années un record inégalé, après avoir succédé au commandant Jacques-Yves Cousteau, à peine éclipsé durant un an par une seconde place temporaire imputée à l’affaire Garaudy en tête des personnalités préférées des Français, comme celles du Le Journal du dimanche publiées plusieurs fois par an, jusqu’à ce qu’il demande à en être retiré en début 2004. C’est à la fois une arme et une croix, dit-il, pour laisser la place des honneurs aux plus jeunes.

Une image de miraculé

L'abbé Pierre a été régulièrement malade, notamment des poumons quand il était jeune. Il s’est sorti indemne de situations dangereuses :
tombé dans une profonde crevasse quand il aidait des gens à s’enfuir pendant la guerre ;
rescapé quand l’avion dans lequel il se trouve réussit un atterrissage d’urgence, sans moteur, dans les années 1950 en Inde ;
et surtout, naufragé miraculé en 1963, au Rio de la Plata entre l’Argentine et l’Uruguay, voir la partie Développement d'Emmaüs.
Tous ces accidents vont contribuer à lui forger une image de miraculé.

Utilisation des médias

L’abbé Pierre s’est toujours appuyé sur son image grâce aux médias, depuis son appel sur Radio-Luxembourg en 1954 jusqu’à sa présence à l’Assemblée nationale en janvier 2006, en faveur de la loi SRU sur le logement social. Selon Bernard Kouchner, fondateur de Médecins sans frontières, il est ainsi l’inventeur de la loi du tapage médiatique.
Même pendant les dernières années de sa vie, malgré la maladie et l’âge, il est descendu dans la rue pour soutenir la cause des pauvres. Il a soutenu l’association Droit au logement DAL. Un dernier combat qui fait encore l’actualité politique en pleine campagne présidentielle 2007, où les candidats se pressent pour défendre une future loi sur le logement opposable poussée par l’action médiatique d’associations de sans-logis, un texte qu’ils veulent maintenant nommer loi abbé Pierre, comme avant lui son ami Coluche à qui on a attribué la loi sur les dons aux œuvres caritatives, une autre icône populaire et médiatique et pourtant si humaine de la fin du xxe siècle restée dans le cœur des Français et que l’abbé Pierre avait soutenu avant de devoir, lui le vieil homme, lui succéder dans son combat inachevé pour les exclus du partage.
Enfin, la marionnette de l'abbé Pierre dans l'émission télévisée satirique Les Guignols de l'Info contribue également au façonnement de son image publique et médiatique. À l'instar d'un Johnny Hallyday, il fait ou faisait aussi les choux gras de nombreux imitateurs de la scène francophone tels Laurent Gerra ou Bernard Castaing.

Affaire Roger Garaudy

En avril 1996, lorsque son ami Roger Garaudy est en procès pour négationnisme suite à la publication de son livre Les mythes fondateurs de la politique israélienne, il lui apporte son soutien, ce qui lui vaudra d’être exclu du comité d’honneur de la LICRA. Dans une lettre de soutien à l'auteur rendue publique le 18 avril 1996, il écrit tout le respect que lui inspire l'énorme travail réalisé par Roger Garaudy pour l'écriture du livre, et son éclatante érudition, rigoureuse. Il ajoute qu'accuser Roger Garaudy de révisionnisme est une imposture, une véritable calomnie.
Il expliquera néanmoins par la suite avoir agi à titre amical et se démarquera des tentatives pour nier, banaliser ou falsifier la Shoah dont il avait été lui-même témoin. Mais, selon les termes du quotidien L'Humanité, ce revirement tardif ne dissipe cependant pas le malaise. L’historien Pierre Vidal-Naquet déclara pour sa part : Je crains que la prise de position de l’abbé Pierre ouvre les vannes d’une poussée antisémite.
Certains ont critiqué les propos de l’abbé Pierre sur l’idée de la terre promise dans l’Ancien Testament. En effet, il dénonçait la prise très violente de cette terre par les israélites, telle qu’elle est décrite dans la Bible : Que reste-t-il d’une promesse lorsque ce qui a été promis, on vient de le prendre en tuant par de véritables génocides des peuples qui y habitaient, paisiblement, avant qu’ils y entrent, dira-t-il à Bernard Kouchner. Il n’hésitera pas à en déduire une véritable vocation à l’exil de ce peuple : Je crois que - c’est ça que j’ai au fond de mon cœur - que votre mission a été - ce qui, en fait, s’est accompli partiellement - la diaspora, la dispersion à travers le monde entier pour aller porter la connaissance que vous étiez jusqu’alors les seuls à porter, en dépit de toutes les idolâtries qui vous entouraient.
Certains ont vu dans ces déclarations une reprise tout juste voilée de l'ancienne thématique chrétienne de l'auto-malédiction d'un peuple juif avatar de Caïn thématique désavouée par l'église à l'occasion de la déclaration Nostre Aetate issue de Vatican II38 et, finalement, une lecture de la Bible très conforme à l'antijudaïsme de certains catholiques avant Vatican II.
L'abbé Pierre considère que le débat sur la Shoah reste ouvert : « ils [la LICRA] n’acceptent absolument pas le dialogue, contrairement à Garaudy. Ils considèrent que le débat sur le génocide des juifs est clos. Qu’oser le rouvrir n’est pas possible. Par exemple sur la question des chambres à gaz, il est vraisemblable que la totalité de celles projetées par les nazis n’ont pas été construites, propos auquel l’abbé Pierre ajoute toutefois : Mais mes amis de la LICRA me disent qu’avancer de telles affirmations, c’est contester la Shoah. Ce n’est pas sérieux, Roger Garaudy sera finalement condamné pour contestation de crimes contre l’humanité et incitation à la haine raciale.
Cette controverse ne doit toutefois pas masquer les faits qui plaident pour l'abbé Pierre, notamment son combat pendant la Seconde Guerre mondiale pour sauver des Juifs. Son engagement profond contre l'antisémitisme est en particulier attesté par le fait qu'il ait lui-même toujours souligné que ses actions contre les persécutions anti-juives avaient précédé et motivé son entrée dans la Résistance. Ses positions politiques sont sans ambiguïtés quand il dénonce le fait que ces rafles anti-juives ont été conduites par la police française en un temps été 1942 et un lieu Grenoble, en zone non occupée qui ne permettent pas d'invoquer le prétexte de la contrainte allemande.
La polémique, qui meurtrira durablement l’abbé Pierre, lui valut le désaveu de certains de ses amis. Bernard Kouchner lui reprocha d'absoudre l’intolérable. L'abbé est publiquement fustigé par le Cardinal Jean-Marie Lustiger. L'abbé Pierre est alors sommé par sa hiérarchie de prendre une retraite médiatique temporaire et part quelque temps en séminaire en Italie. Il y a déclaré au Corriere della Sera que la presse française était inspirée par un lobby sioniste international. L'affaire ne reçut cependant que peu d’écho auprès de l'opinion française qui lui renouvela sa confiance pendant de nombreuses années, le classant en tête des personnalités françaises les plus aimées jusqu’à ce que l’abbé retirât lui-même son nom du classement.

L'abbé Pierre et les Brigades rouges

L'abbé Pierre a spontanément témoigné dans les années 1980 en faveur d'un groupe d'Italiens résidant à Paris et animant l'école de langues Hypérion. Le directeur de cette école, Vanni Mulinaris, avait été arrêté et emprisonné le 2/2/82, lors d'une visite en Italie. Il était accusé d'être membre des Brigades rouges BR. Il sera par la suite relaxé, totalement blanchi de cette accusation et même dédommagé par l'État italien pour trois ans de détention injustifiée.
L'abbé Pierre se rend plusieurs fois en Italie pour protester contre les conditions de détention sans motivations et sans procès de Vanni Mulinaris, il rencontre le président Sandro Pertini, les juges, les avocats, plusieurs autorités morales, qui constitueront un comité italien demandant justice pour Vanni Mulinaris le cardinal Martini, le sénateur Norberto Bobbio, Giuseppe Branca ancien président de la Cour Constitutionnelle, bientôt rejoints par 75 autres personnalités dont le journaliste Giorgio Bocca et le cinéaste Luigi Comencini.
L'abbé Pierre effectue également pour réclamer justice une grève de la faim du 26 mai au 3 juin 1984, dans la cathédrale de Turin.
Il témoigne alors de son expérience personnelle des dérives de la justice italienne de l'époque. François Mitterrand décidera à partir de 1982 d'accorder l'asile aux réfugiés politiques italiens, pour ceux qui auraient clairement rompu avec la violence.

Prises de position par rapport aux réformes à faire au sein de l’Église catholique

Sur l'ordination des hommes mariés et des femmes

En 2005, dans son livre Mon Dieu… pourquoi ?, rédigé avec Frédéric Lenoir, il déclare qu’il a été attiré par des jeunes filles, étant lui-même jeune homme et avant d’entrer dans les ordres. À ce sujet, il invite les dirigeants d'Église à réfléchir sur une éventuelle réforme de la discipline de l’Église en faveur de l’ordination des hommes mariés. Et ne comprend pas l’opposition des papes Jean-Paul II et Benoît XVI, l’ordination des hommes mariés étant autorisée par l’Église dans certains rites orientaux. En outre, il voit dans cette autorisation un moyen de lutter contre la pénurie de nouveaux ministres du culte de l’Église. Il incite également à réfléchir à l’ordination des femmes.

Il a déclaré avoir connu le sexe et souhaiter l'ordination des femmes.

Distinctions et hommages

Distinctions françaises :
Grand-croix de la Légion d’honneur le 13 juillet 2004
Grand officier en 1992 remis neuf ans plus tard, le 19 avril 2001
Commandeur en 1987 pour son action pour le logement des défavorisés.
Officier en 1981 au titre des droits de l'homme
Chevalier à titre militaire le 19 décembre 1946
Croix de guerre 1939-1945 avec deux palmes citations des 12 février 1945 et 19 décembre 1946
Médaille de la Résistance 12 février 1946
Médaille des évadés
Croix du combattant volontaire 1939-45 1946
Croix du combattant
Médaille commémorative de la guerre 1939-45 avec agrafes France, «Libération
Distinctions étrangères :
Médaille de la Résistance belge 14 juillet 1947
Grand officier de l’Ordre national du Québec lors de la visite officielle à Paris du premier ministre de la province du Québec Jacques Parizeau en janvier 199554
Officier de l’ordre du Cèdre du Liban.
Récompenses diverses :
Médaille d’or Albert Schweitzer de la Fondation Goethe à Bâle, Suisse en 1975, remise par René Lenoir, secrétaire d’État français.
1991, prix Balzan pour l’Humanité, la paix et la fraternité des peuples, pour son combat pour les droits de l’homme, la démocratie, la paix, pour la lutte contre les souffrances spirituelles et physiques, et pour la solidarité universelle au travers des communautés Emmaüs.
Il est promu grand officier de la Légion d’honneur en 1992 mais il refuse de la porter jusqu’en 2001 pour protester contre le refus de l’État français d’attribuer des logements vides à des SDF.
En décembre 2003, sur la proposition de M. Jean-Paul Carteron, président du Forum de Crans Montana, il reçoit le prix de la Fondation des mains du prince Albert II de Monaco. Il s'agira du seul prix profane accepté par l'abbé Pierre dans toute vie. Ainsi qu'il le déclara en recevant la modeste œuvre d'art symbolisant ce prix, je la mettrai sur la table où tous les jours je dis ma messe.
En janvier 2004, il demande à ne plus figurer dans le palmarès de la presse des personnalités les plus aimées des Français, après de nombreuses années successives où il a été promu dix-sept fois en tête du Top 50 entre 1989 et 2003, afin de laisser cette place aux jeunes.
14 juillet 2004 : élevé à la dignité de grand-croix de la Légion d’honneur par le président de la République, la plus haute distinction officielle française.
Une école à son nom a été baptisée à Nueil-les-Aubiers Deux-Sèvres en 1993 et à Hédé en Ille-et-Vilaine le 17 septembre 2005.
26 janvier 2007 : hommage national de la République française, avec la présence officielle du gouvernement aux obsèques.
22 janvier 2008 : à l'occasion du premier anniversaire de sa mort, une plaque à la mémoire de l'abbé Pierre est symboliquement dévoilée par un compagnon d'Emmaüs et un SDF sur l'immeuble de la rue des Bourdonnais Paris où s'installa l'Association Emmaüs après l'hiver 1954 à Paris.
Une plaque fut posée en son honneur sur le mur du Lycée Saint-Marc et inaugurée le samedi 13 décembre 2008 en présence de représentants de la famille Grouès, du Mouvement Emmaüs, de Mgr Barbarin, Jean-Jack Queyranne, Michel Mercier, et de Gérard Collomb. Une célébration eucharistique présidée par le Cardinal Barbarin dans la chapelle du Lycée Saint-Marc suivit l'inauguration.
À l'occasion du troisième anniversaire de sa mort, La Poste française émet un timbre-poste au tarif le plus courant à son effigie, le 22 janvier 2010.
À l'occasion du centième anniversaire de sa naissance, la Monnaie de Paris édite une pièce de 2 € commémorative à son effigie en juillet 2012.
À l'occasion du sixième anniversaire de la mort de son fondateur, la Fondation Emmaüs érige une statue à son effigie à l'entrée de sa Délégation générale à Paris.

Å’uvres

Ouvrages de l'abbé Pierre
1987 : Bernard Chevalier interroge l’abbé Pierre : Emmaüs ou venger l’homme, avec Bernard Chevalier, Éditions Le Centurion, éd. LGF/Livre de poche, Paris.
1988 : Cent poèmes contre la misère, éd. Le Cherche-midi, Paris
1993 : Dieu et les hommes, entretien avec Bernard Kouchner, éd. Robert Laffont
1994 : Testament…. Réédition 2005, éd. Bayard/Centurion, Paris
1994 : Une terre et des hommes, éd. Cerf, Paris.
1994 : Absolu, éd. Seuil, Paris.
1996 : Dieu merci, éd. Fayard/Centurion, Paris.
1996 : Le bal des exclus, éd. Fayard, Paris.
1997 : Mémoires d’un croyant, éd. Fayard, Paris.
1999 : Fraternité, éd. Fayard, Paris.
1999 : Paroles, éd. Actes Sud, Paris.
1999 : C’est quoi la mort ?, livre didactique destiné aux enfants, utilisé aussi dans l’apprentissage de la langue française, éd. Albin Michel, Paris. (et ouvrage bénéficie aussi de nombreuses traductions et rééditions dans divers pays.
1999 : J’attendrai le plaisir du Bon Dieu : l’intégrale des entretiens d’Edmond Blattchen, éd. Alice, Paris.
2000 : En route vers l’absolu, éd. Flammarion, Paris.
2001 : La Planète des pauvres. Le tour du monde à vélo des communautés Emmaüs, de Louis Harenger, Louis Harenger, Michel Friedman, Emmaüs international, Abbé Pierre, éd. J’ai lu, Paris.
2002 : Confessions, éd. Albin Michel, Paris.
2002 : Je voulais être marin, missionnaire ou brigand, rédigé avec Denis Lefèvre, éd. Le Cherche-midi, Paris. Réédition en livre de poche, éd. J’ai lu, Paris.
2004 : Abbé Pierre et Père Pedro, Pour un monde de justice et de paix : Entretiens, Paris, Presses de la Renaissance,‎ 6 mai 2004, Broché, 230
2004 : L’Abbé Pierre, par Bernard Violet, éd. Fayard. Biographie réactualisée en janvier 2007 avec la reproduction intégrale du testament de 114 pages que l’Abbé Pierre avait confié à l’auteur.
2004 : L’Abbé Pierre, la construction d’une légende, par Philippe Falcone, éd. Golias.
2004 : L’Abbé Pierre parle aux jeunes, avec Pierre-Roland Saint-Dizier, éd. Du Signe, Paris.
2005 : Le sourire d’un ange, éd. Elytis, Paris.
2005 : Mon Dieu… pourquoi ? Petites méditations sur la foi chrétienne et le sens de la vie, recueil où il aborde également des sujets d’actualités comme le célibat des prêtres, l’ordination des femmes, le fanatisme religieux, le désir et le sexe, le mariage homosexuel. Il a été rédigé avec Frédéric Lenoir, éd. Plon.
2006 : Servir : Paroles de vie, avec Albine Navarino, éd. Presses du Châtelet, Paris.
2006 : L'abbé Pierre : Entretien et portrait, par Ariane Laroux : Portraits Parlés, éditions de l'Âge d'Homme.
2007 : Clandestin, 1942 - 1944, éd. Vollodalen, Collection Citadelle, Paris. Cet ouvrage reprend le texte d'une conférence prononcée par l'abbé Pierre le 23 avril 1945.
2012 : Abbé Pierre, Inédits. Textes de combat, écrits intimes, correspondances, éd. Bayard

Ouvrages sur l'abbé Pierre

1989 : L'Abbé Pierre L'insurgé de Dieu. Pierre Lunel. Édition°1, Paris, 1989
1992 : Les Chercheurs de Dieu (t. 2 : L’Abbé Pierre, Pauline Jaricot, Xavier de Nicolo, BD de Lama Masudi Dessins, Hugues Labiano Dessins, Marc Malès Dessins, Jean-Louis Fonteneau Scénario, Thierry Lescuye, Marie-Noëlle Pichard, éd. Bayard Jeunesse, Paris.
2006 : Images d’une vie, recueil de près de 200 photos de l’abbé Pierre, réalisées avec Laurent Desmard, éd. Hoebeke
2007 : N'oublions pas les jeunes. Le dernier cri de l'abbé Pierre en faveur des jeunes, de l'éducation, du logement, en collaboration avec Christophe Robert, directeur des études à la Fondation Abbé Pierre, et Patrick Doutreligne, délégué général de la Fondation Abbé Pierre, livre, éd. DDB
2008 : Emmaüs et l'abbé Pierre, Axelle Brodiez-Dolino, Presses de Sciences-Po, Paris, 2008
2009 : Henri, Quelques pas avec l'Abbé Pierre, album photographique de Claude Iverné, Albin Michel
2012 : L'abbé Pierre, le roman de sa vie, biographie pour enfants de Chloé Caffarel, Bayard Jeunesse

Discographie

1989 : Les Enfants sans Noël, avec une chorale d'enfants et une pléiade d'artistes, au profit d'Emmaüs.
2001 : Radioscopie : Abbé Pierre - Entretien avec Jacques Chancel, CD Audio,
1988-2003 : Éclats De Voix, suite de CD Audio, Poèmes et réflexions, en quatre volumes :
Vol. 1 : Le Temps des Catacombes, rééd. label Celia,
Vol. 2 : Hors de Soi, rééd. label Celia,
Vol. 3 : Corsaire de Dieu, rééd. label Celia
Vol. 4 : L'éternel combat, label Scalen,
2003 : Le CD merci l'abbé de Gérard verchère.
2004 : Paroles de Paix de l’Abbé Pierre, suivi l'appel de l'hiver 54 ré-enregistré par l'Abbé Pierre pour le 50e anniversaire, CD audio, label Frémeaux & Associés, Créations pour la Paix - direction artistique : Christiane Gugger,
2005 : Le CD Testament…, pour fêter le 56e anniversaire de la fondation d'Emmaüs (réflexions personnelles, textes et paroles inspirées de la Bible.
2005 : Avant de partir…, le testament audio de l’Abbé Pierre, CD audio et vidéos pour PC, prières et musiques de méditation
2006 : L’Insurgé de l’amour, label Revues Bayard, Paris

Vidéographie

2005 : Vous direz à vos enfants… Le plus beau témoignage sur la beauté du don, DVD PAL région 2, entretien avec l’abbé Pierre, studio LCJ Éditions, Paris.
Les chiffonniers d’Emmaüs dans : Alain comme les autres, DVD PAL région 2, documentaire-fiction de Denise Gilliand, avec Jean-Quentin châtelin, l’Abbé Pierre et les Compagnons d’Emmaüs, studio VPS .

Filmographie biographique

1955 : Les Chiffonniers d'Emmaüs de Robert Darène avec André Reybaz dans le rôle de l'abbé Pierre.
1989 : Hiver 54, l'abbé Pierre de Denis Amar avec Lambert Wilson dans le rôle de l'abbé Pierre et Claudia Cardinale. Film rediffusé le jour de sa mort, en son hommage, sur la chaîne de télévision publique France 2.
2007 : Paroles - Abbé Pierre. 2 x DVD PAL. Série d'entretiens avec l'abbé Pierre. Rencontres avec Johnny Hallyday, Zinédine Zidane et le Dalaï Lama. Édition Emmaüs Genève - Artémis Films Productions.




































[img width=600]http://s.tf1.fr/mmdia/i/70/1/tf1-lci-le-cercueil-de-l-abbe-pierre-est-expose-a-la-chapelle-du-2263701_1713.jpg?v=1[/img]

Le 25 janvier 1978 naît Charlene Lynette Wittstock à Bulawayo

en Rhodésie, actuel Zimbabwe, émigrée à Benoni Afrique du Sud, ancienne championne de natation. Par son mariage avec le prince souverain Albert II de Monaco le 1 Juillet 2011, elle est devenue la princesse consort Charlène de Monaco; et la mère des jumaeaux, Gabriella de Monaco et de Jacques de Monaco
Depuis son accession au titre de princesse, Charlène de Monaco s'est engagée activement pour des causes humanitaires dédiées en priorité à l'éducation de l'enfant par le sport.


Sa vie

Jeunesse et carrière sportive Charlene Wittstock

Informations
Nages Nage libre, dos
Période active 1994 – 2007
Nationalité sud-africaine
Palmarès
Jeux africains 3 1 0
modifier
Charlene Lynette Wittstock est née le 25 janvier 1978 à Bulawayo, dans l'actuel Zimbabwe, Afrique, pays indépendant à la Couronne britannique. Elle est la fille aînée de Michael Kenneth Wittstock, né en 1946, propriétaire d'une entreprise d'informatique, et de Lynette Humberstone, née en 1959, plongeuse de compétition puis professeur de natation. Elle a deux frères : Garrett Wittstock, né en 1982, informaticien, et Sean Wittstock né en 1983, commercial.
Charlene Wittstock possède les nationalités sud-africaine et britannique. Elle quitte le Zimbabwe avec sa famille pour aller vivre dans l'ancienne province du Transvaal en Afrique du Sud, alors qu'elle est âgée de 12 ans.
Très jeune, elle se passionne pour la natation, à tel point qu'à 16 ans, elle abandonne ses études pour se consacrer à ce sport. À 18 ans, elle remporte les championnats juniors d'Afrique du Sud. Puis quelques années plus tard, elle fait partie de l'équipe féminine du 4 x 100 m 4 nages représentant l'Afrique du Sud aux Jeux olympiques de Sydney de 2000 en dos crawlé, l'équipe sera classée cinquième. En individuel, elle arrive 17e au 100 m dos crawlé et 14e au 200 m dos crawlé. La même année, elle remporte la médaille d'or du 200 m dos au Meeting international de natation de Monaco Marenostrum. En 2002, elle remporte trois médailles d'or lors de la Coupe du Monde, 50 m et 100 m crawlé, relais 4 x 100 m et la médaille d'argent durant les Jeux de Commonwealth de Manchester 4 x 100 m relais.
Après s'être volontairement éloignée des bassins pendant plusieurs années, elle renoue avec la natation et les compétitions en septembre 2005. Deux ans plus tard, elle est qualifiée pour les Jeux olympiques de Pékin, mais elle choisit de ne pas y participer et de mettre un terme définitif à sa carrière sportive.

Vie privée

On lui connaît des liaisons avec le nageur suédois Lars Frölander, le nageur britannique Robin Francis, de 2002 à 2003, le rugbyman sud-africain Andre Snyman puis de 2003 à 2006, le nageur italien Massimiliano Rosolino.
En 2000, Charlene Wittstock rencontre le prince Albert, alors prince héréditaire, lors d'un tournoi de natation de Monaco. En 2005, elle recontacte le prince pour lui présenter ses condoléances suite au décès de son père, le prince Rainier III. En 2006, pour la première fois, elle s'affiche publiquement en compagnie d'Albert II lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques d'hiver de 2006 de Turin en Italie. En 2007, lors de la Coupe du monde de rugby en France, elle assiste à de nombreux matchs en compagnie du prince Albert II, notamment ceux des Springboks, dont son grand-père fut l'un des entraîneurs. Depuis 2006, elle participe également régulièrement, aux côtés du prince Albert II, à tous les évènements importants de la principauté de Monaco comme le Bal de la Croix-Rouge ou le Grand Prix automobile de Monaco. Cette relation fut très médiatisée par la presse internationale.

Mariage avec Albert II de Monaco

Le 23 juin 2010, le prince Albert II de Monaco annonce ses fiançailles avec Charlene Wittstock dans un communiqué adressé à l'AFP. Le mariage est fixé aux 1er et 2 juillet 2011.
D'origine protestante, elle s'est convertie au catholicisme pour pouvoir épouser Albert II.
Albert II de Monaco et Charlene Wittstock se marient civilement le 1er juillet 2011, dans la salle du trône du palais princier. La cérémonie religieuse a eu lieu le 2 juillet 2011 à Monaco, dans la cour d'honneur du palais princier. S'en suit un voyage de noces en Afrique du Sud, où le couple est notamment invité à déjeuner par le président Jacob Zuma.
Le 30 mai 2014, Albert II de Monaco et Charlène annoncent officiellement attendre un enfant pour la fin de l'année 2014. Elle confirme en octobre 2014 qu'elle attend des jumeaux. Le 10 décembre 2014, elle donne naissance à une fille, Gabriella, et à un garçon, Jacques, à la maternité Princesse-Grace. C'est Jacques qui devient héritier du trône.

Princesse de Monaco

Le 8 juillet 2011, Charlène de Monaco rencontre le prix Nobel de la paix, l'archevêque sud-africain Desmond Tutu dans les locaux de sa fondation de lutte contre le sida8. Elle devient co-marraine de The Giving Organisation Trust, une organisation regroupant dix œuvres caritatives allant de la lutte contre le VIH à l'environnement en passant par l'enfance en difficulté.
Charlene de Monaco en juillet 2012.
En 2012, Charlène de Monaco crée sa propre fondation, la Fondation Princesse-Charlène à Monaco, en faveur des femmes et des enfants en difficulté dans le monde. Cette œuvre caritative est essentiellement tournée vers le sport. Comme son époux, Charlène de Monaco accorde une forte valeur éducative aux sports en général, et à la natation et au rugby en particulier.
En 2013, elle lance le programme Learn to Swim en Afrique du Sud. Dès sa première année de mariage, Charlène de Monaco s'est consacrée aux causes humanitaires et caritatives, s'inscrivant ainsi dans la continuité de l'œuvre de la princesse Grace de Monaco. Son adolescence dans une Afrique du Sud post-apartheid l'a sensibilisée aux problèmes des enfants défavorisés, auxquels elle a donné des cours de natation tout au long de sa carrière sportive. En 2010, elle est devenue une des marraines de la Fondation Nelson-Mandela. Cette fondation promeut l'œuvre de Nelson Mandela et le dialogue pour la justice.
Elle est également la marraine des Jeux olympiques spéciaux et de la Born Free Foundation, qui s'attache à défendre les espèces animales menacées. En outre, Charlène de Monaco participe régulièrement à des manifestations de collectes de fonds pour des œuvres de bienfaisance comme celle de l'AmfAR. De par sa fonction, Charlène de Monaco participe évidemment à tous les événements majeurs de la vie de Monaco, comme le bal de la Croix Rouge ou le bal de la Rose10, organisé chaque année pour récolter des fonds au bénéfice de la fondation de la princesse Grace de Monaco.

Centres d'intérêt

Son enfance en Afrique l'a fortement sensibilisée aux problèmes rencontrés par les enfants pauvres auxquels elle a donné des cours de natation tout au long de sa carrière. Elle accompagne régulièrement son mari, le prince Albert II de Monaco, lors de déplacements pour soutenir des œuvres caritatives.
Depuis 2009, elle est présidente d'honneur du Ladies Lunch de Monte-Carlo.
Depuis 2010, elle est une des marraines de la Fondation Nelson-Mandela.
Elle est également la marraine des Jeux olympiques spéciaux, de la Born Free Foundation et de Monaa, une association monégasque de lutte contre l'autisme. De plus, Charlène de Monaco participe régulièrement à des manifestations de collectes de fonds pour des œuvres de bienfaisance comme celle de l'AmfAR.

Loisirs

Charlène de Monaco adore pratiquer le surf et la randonnée pédestre en montagne. Elle aime lire des biographies, des poésies ethniques d'Afrique du Sud. Elle apprécie également l'art contemporain.

Titulature

25 janvier 1978 - 1er juillet 2011 : Mlle Charlene Lynette Wittstock
depuis le 1er juillet 2011: Son Altesse sérénissime la princesse de Monaco

Autres titres officiels :

Duchesse de Valentinois
Duchesse de Mazarin
Duchesse de Mayenne
Princesse de Château-Porcien
Marquise de Chilly-Mazarin
Marquise de Guiscard
Marquise de Bailli
Comtesse de Carladès
Comtesse de Ferrette, de Belfort, de Thann et de Rosemont
Comtesse de Torigni
Comtesse de Clèdes
Comtesse de Longjumeau
Baronne de Calvinet
Baronne du Buis
Baronne de La Luthumière
Baronne de Hambye
Baronne d'Altkirch
Baronne de Saint-Lô
Dame d'Issenheim
Dame de Saint-Rémy
Dame de Matignon

Titre de noblesse. Décorations monégasques

Grand-croix de l'ordre de Saint-Charles 17 novembre 2012

Décorations étrangères

Italie

Grand-croix de l'ordre de l'Étoile de la République italienne 20 février 2014

Pologne

Grand-croix de l'ordre du Mérite de la République de Pologne 18 octobre 2012

Palmarès sportif

2000 : Sélectionnée première et seule sélection avec l'équipe féminine du 4 x 100 m 4 nages pour les Jeux olympiques de Sydney en dos crawlé, où l'équipe se classera cinquième ;
2000 : Médaille d'or du 200 m dos au Meeting international de natation de Monaco.

Le 25 janvier 1990 à 67 ans meurt Ava Lavinia Gardner

à Londres, née Lucy Johnson Ava Lavinia Gardner, surnommée snowdrop, actrice américaine, née le 24 décembre 1922 à Grabtown en Caroline du Nord. Engagée par contrat avec les studios MGM en 1941, elle apparait principalement dans de petits rôles jusqu'à ce qu'elle attire l'attention avec sa performance dans Les Tueurs 1946. Elle a été nominée pour l'Oscar de la meilleure actrice pour son travail dans Mogambo 1953.
Archétype de la femme fatale au cinéma, elle fut surnommée la plus belle femme au monde . Elle est listée 25e parmi les plus grandes stars féminines par l'American Film Institute.Ses films les plus notables sont : Les Tueurs, Pandora, La Comtesse aux pieds nus, La Croisée des destins, La Nuit de l'iguane

En bref

L'une des beautés du cinéma, liée à quelques rôles mythiques, Ava Gardner était bien plus que le plus bel animal du monde vanté par les slogans publicitaires : une actrice spontanée et une image de la féminité qui conjuguait en elle tous les contraires, romantique et libre, marmoréenne et touchante, sensuelle et timide.
Née le 24 décembre 1922, dans une plantation de tabac de Caroline du Nord, à Grabtown, Ava Gardner y grandit en garçon manqué, crapahutant partout pieds nus. Son beau-frère, photographe, affiche à la vitrine de son magasin un portrait qu'il a fait de la jeune fille de dix-huit ans. Un découvreur de talents de la M.G.M. le remarque et fait engager Ava, qui va alors suivre le parcours du combattant de la starlette hollywoodienne. De 1941 à 1946, elle apparaît dans vingt-quatre films sans obtenir de véritable rôle pour dix-neuf d'entre eux. Elle suivra des cours en tout genre et se prêtera à une abondance de photos publicitaires, d'élégantes apparitions à des premières, au bras de quelqu'un de plus connu qu'elle, et même à deux mariages : en 1942 avec Mickey Rooney, la star éternellement adolescente du studio, puis en 1945 avec le populaire musicien de jazz Artie Shaw elle épousera par la suite Frank Sinatra en 1951.
Ava Gardner obtient son premier rôle quand la M.G.M., avec qui elle a signé un contrat jusqu'en 1958, la prête à l'Universal comme partenaire de George Raft dans Whistle Stop Tragique rendez-vous, 1946, production modeste réalisée par le Franco-Russe Léonide Moguy. Satisfaite de sa prestation, l'Universal la redemande pour le principal rôle féminin du plus ambitieux The Killers Les Tueurs, 1946 de Robert Siodmak : dans ce chef-d'œuvre du film noir, la beauté sculpturale d'Ava Gardner complète magnifiquement la virilité sensuelle de Burt Lancaster. Étrangement touchante dans son rôle de femme fatale, elle fait poindre la femme blessée derrière l'archétype de la criminelle, comme l'évoque le blues qu'elle susurre au piano... Elle enchaîne, toujours dans le même studio, avec le mélodrame exotique Singapore Singapour, 1947 de John Brahm.
Cette escapade prolongée persuade la M.G.M. du potentiel de la jeune actrice. À son retour, le studio lui propose enfin de vrais rôles et désormais des stars de première grandeur comme partenaires : Clark Gable The Hucksters Marchands d'illusions, 1947, de Jack Conway ; Lone Star L'Étoile du destin, 1952, de Vincent Sherman, Robert Taylor The Bribe L'Île au complot, 1949, de Robert Z. Leonard ; Ride Vaquero ! Vaquero, 1953, de John Farrow ; The Knights of the Round Table Les Chevaliers de la table ronde, 1953, de Richard Thorpe ou Gregory Peck The Great Sinner Passion fatale, 1949, de Robert Siodmak. Royale, et comme indifférente, Ava Gardner traverse ces films de sa démarche de panthère, semant le doute tant dans les intrigues amoureuses qu'auprès des dirigeants du studio qui ne savent encore comment utiliser au mieux cette présence spectaculaire mais singulière. De plus, elle croit bien peu en ses capacités d'actrice et n'est pas très combative. C'est elle cependant qui a le plus beau rôle dans le grand mélodrame musical Show Boat 1951 de George Sidney − celui de la sang-mêlée Julie La Verne, au destin tragique, qui, victime des préjugés raciaux, sombrera dans l'alcool et se sacrifiera pour le couple d'amoureux. Ava Gardner travaille dur, mais la M.G.M., peu confiante en ses capacités, pratique des coupes dans son rôle et la double pour les deux magnifiques chansons de Jerome Kern qu'elle interprète d'une voix peut-être peu entraînée, mais remarquablement sincère c'est elle qu'on entend dans le disque, a contrario du film.

Sa vie

Ava Gardner est née le soir de Noël en 1922, elle est la plus jeune des sept enfants de Mary Elizabeth et Jonas Gardner, des fermiers exploitant de plantations de tabac. Son père meurt quand elle a douze ans. Elle fait ses études à l’Atlantic City Christian College de Wilson en Caroline du Nord et suit des cours de sténo-dactylo.Lucy Johnson
Ava Lavinia Gardner
Pendant une jeunesse pauvre et studieuse à Grabtown, Brogden, Newport News et Wilson, elle fait de fréquents passages à New York chez sa sœur aînée Béa, surnommée Bappie, mariée à un photographe professionnel, Larry Tarr. Impressionné par la beauté de la jeune fille, alors âgée de 17 ans, il prend des centaines de photos d'elle et les expose dans les vitrines de son studio de photos. C'est là que Barney Duhan, un employé de la MGM les remarque et suggère à Larry de les envoyer au studio de cinéma. Il déclare : J'allais à une soirée, j'étais en retard et je me suis dit que c'était vraiment moche, avec mon physique et mes revenus, de ne pas avoir de cavalière. C'est alors que j'ai vu cette photo, et je me suis exclamé à haute voix que je pourrais peut-être avoir son numéro de téléphone ? Marvin Schenck, qui s'occupe des jeunes talents de la MGM, découvre ces photos, la contacte et lui fait passer un bout d'essai. En 1941, elle signe un contrat de sept ans avec la MGM à cinquante dollars la semaine et part, accompagnée de sa sœur Bappie, à Hollywood...
Très handicapée par un terrible accent du terroir, Ava doit se contenter pour commencer, de séries de photos de pin-up et de petits rôles dans des films mineurs où elle apprend son métier. Ava ne fut même pas créditée dans les 14 films où elle figura de 1942 à 1943. Son nom apparaît pour la première fois au générique de Trois hommes en blanc en 1944. Elle suit des cours pour placer sa voix, des cours de diction pour la débarrasser de l’accent de Caroline du Nord et des cours d’art dramatique. Le réalisateur Joseph L. Mankiewicz y fera référence dans La Comtesse aux pieds nus où il fait dire à Humphrey Bogart qu'il ne veut aucun professeur de diction à ses côtés.

Premières amours

Pendant cette période, elle rencontre sur les plateaux de la MGM, Mickey Rooney, jeune acteur chevronné de la MGM et acteur populaire de la série des Andy Hardy. Le champion du box office lui fait découvrir le tout Hollywood et ne la quitte plus.
Elle sort temporairement de l'ombre quand elle épouse Mickey Rooney, avec le consentement de Louis B. Mayer le grand patron de la MGM. Le mariage eut lieu, organisé simplement par le studio, le 10 janvier 1942 à Ballard. Alors que les gens se sont beaucoup demandé si le fait d’être mariée à Mickey ne m’avait pas aidée à décrocher ma première série de figurations, je dois à la stricte vérité de dire qu’être Mme Rooney à la ville n’a en rien contribué à me propulser au firmament des étoiles. Jamais Mickey n’a tenté de faire de moi une actrice, jamais il ne m’a rien appris, jamais il ne m’a obtenu le moindre rôle. Le mariage durera 16 mois.
Elle rencontre par la suite le multimilliardaire Howard Hughes qui la courtise et la poursuivra de ses assiduités pendant de longues années, allant même jusqu'à l’espionner en la faisant suivre par ses sbires et mettre sur écoutes. Ava ne se préoccupe guère de ces « filatures » et refusera toujours ses avances et demandes en mariage tout en conservant son amitié.
Après quelque temps, elle fait un second mariage avec le musicien Artie Shaw en 1945, mais le mariage est un nouvel échec et ils divorcent un an plus tard. Bien qu'ils se soient quittés en bons termes, ce mariage fit beaucoup de mal à Ava, à cause des critiques et du cynisme de Shaw. Il lui avait même dit un jour : « Ava, tu es tellement belle mais tu es bête comme une oie.

Succès

Les films sans grand intérêt se sont succédé : Ava figure, non créditée, dans plus de quinze films entre 1941 et 1943, parfois dirigés par King Vidor, Fred Zinneman, Jules Dassin, George Sidney, Douglas Sirk, avec pour vedette féminine Myrna Loy, Hedy Lamarr, Lucille Ball, mais aussi les débutantes June Allyson et Gloria DeHaven.
La MGM lui donne enfin sa chance en 1946, pour commencer avec Tragique rendez-vous où elle donne la réplique, dans son premier grand rôle, à George Raft mais c’est surtout dans Les Tueurs que le papillon sort de sa chrysalide. Son personnage de femme fatale est créé avec ce film noir de Robert Siodmak, inspiré d'une nouvelle d'Ernest Hemingway, où elle interprète la vamp qui dupe Burt Lancaster pour la première fois à l’écran. C’est dans ce rôle qu’elle reçoit pour la première fois des commentaires élogieux de la part de la critique.
"Beaucoup de gens m’ont affirmé par la suite que mon image et ma carrière de star se sont dessinées dans Les Tueurs, où je me suis imposée en sirène fatale aux hanches ondulantes et au décolleté vertigineux, capable de flanquer le feu à la planète en restant adossée contre un piano."

Sa carrière a encore du mal à démarrer. Pourtant, très vite, son nom devient synonyme de sex-appeal : peu importe si elle joue mal ou ne joue pas, elle n'a qu'à paraître, cela suffit : Dans un film médiocre ou dans d'autres meilleurs mais qui ne prenaient nullement la peine de l'intégrer à l'intrigue et d'étoffer son personnage, elle affirmait royalement sa présence. La MGM profite du succès d’Ava, tout en la prêtant à d’autres compagnies de cinéma. Le studio utilise le côté torride de l’actrice, elle joue avec l’idole de sa jeunesse, Clark Gable qui a insisté pour l’avoir comme partenaire dans Marchands d’illusions. Pour Universal Pictures, elle incarnera Vénus, la déesse de l’amour, dans Un caprice de Vénus où la censure recouvre la statue nue représentant Ava Gardner d’un pudique drapé. S’ensuivent quelques films mineurs mis en scène par John Brahm, Jack Conway, Robert Siodmak, Mervyn LeRoy qui avait révélé Lana Turner, où elle côtoie Robert Taylor, Charles Laughton, Gregory Peck, James Mason, Barbara Stanwyck, Robert Mitchum...
À la fin des années quarante, Howard Hughes fait toujours partie des prétendants d’Ava, elle a également des liaisons avec Howard Duff ou encore Robert Taylor. C’est à cette période qu’elle tombe amoureuse de Frank Sinatra, alors marié à sa première épouse Nancy. L’acteur-chanteur au creux de la vague et la star montante vont connaître une passion tumultueuse et mouvementée qui va défrayer la presse à scandale pendant des années. Rongés mutuellement par la jalousie, leur relation sera ponctuée de violentes disputes. Quand leur liaison éclate au grand jour, la presse se déchaîne, Ava est qualifiée de briseuse de ménages, des prêtres catholiques leur envoient des lettres accusatrices, la Ligue de Défense de la Décence menace de boycotter les films d’Ava. Mais Nancy Sinatra finira par divorcer et les deux amants se marient le 7 novembre 1951.

Grands rôles

Après deux ans d’absence vient le temps des grands rôles. Un film va la propulser au sommet et le mythe de cette Vénus descendue sur terre va rencontrer une autre légende : celle du Hollandais volant sur son Vaisseau fantôme dans le film symbolique d’Albert Lewin Pandora 1951. Ava Gardner est définitivement consacrée par ce mélodrame onirique, où elle est filmée pour la première fois en couleurs ; elle démontre son extraordinaire présence sur l'écran et sa beauté impériale illumine ce mythe éternel. C’est pendant le tournage de ce film qu’elle découvre pour la première fois l’Europe et tout particulièrement deux pays qui vont marquer sa carrière et sa vie privée pour toujours, l’Angleterre et l’Espagne. Fascinée d’emblée par l’Espagne, elle s’y installera pendant plusieurs années à partir de décembre 1955.

Ava Gardner dans Show Boat 1951.

Ava Gardner a désormais le vent en poupe et la MGM diffuse des photos d’elle au rythme de trois mille par semaine3. George Sidney la réclame pour le très beau rôle de Julie Laverne, prévu en premier lieu pour Judy Garland, dans le film musical Show Boat. Dans ce film, Ava est doublée lorsque son personnage chante Can't Help Loving that Man. Elle insista ; pourtant, ce fut Annette Warren qui fut choisie pour le doublage. La MGM lui répondit : Écoutez, Ava, vous ne savez pas chanter et vous êtes avec des chanteurs professionnels. Ava Gardner, Mémoires, 1990, page 177 Son film suivant, Les Neiges du Kilimandjaro, lui apporte la renommée internationale. Héroïne idéale des romans d’Hemingway, qu’elle a connu à l’époque de Les Tueurs et qui est devenu son ami plus tard, Ava tourna trois adaptations tirées des œuvres de cet auteur : Les Tueurs, Les Neiges du Kilimandjaro et Le Soleil se lève aussi.
En 1951, elle enchaîne avec trois films qui seront tous d'immenses succès. Tout d’abord avec un film d’aventures chevaleresque, modèle du genre, Les Chevaliers de la Table ronde, tourné à Londres avec Robert Taylor. C’est le premier film de la MGM en CinemaScope. Elle retrouve Robert Taylor la même année dans un western, Vaquero. Et surtout Mogambo, remake de La Belle de Saïgon où elle reprend le rôle de Jean Harlow accompagnée de Clark Gable déjà présent dans la première version de 1932. Réalisé par John Ford, ce film à gros budget est tourné en Afrique en décors naturels, il donne à Ava une plus grande crédibilité d’actrice à Hollywood et elle reçoit une nomination aux Oscars, la première et la seule.

Mogambo 1953.

Cependant, le tournage a été difficile pour elle car elle subit deux avortements. Le premier, pendant le tournage : Je ne pouvais pas avoir un bébé dans ces conditions. Ma grossesse commençait à être visible bien avant la fin du tournage, et je devais donc informer John Ford avant toute chose. J'ai estimé que le moment était mal venu pour avoir un enfant. Une fois cette décision prise, la plus douloureuse que j'aie eu à prendre de ma vie je suis allée trouver mon réalisateur. John Ford a tout fait pour me dissuader.extrait Ava, Mémoires, Ava Gardner, 1990 page 225, Le second, à la toute fin du tournage, et cette fois-ci Frank Sinatra était au courant et en fut très attristé. Aussi longtemps que je vivrai, je n'oublierai pas mon réveil après l'intervention, quand j'ai vu Frank assis à mon chevet, les yeux pleins de larmes. Mais je pense que j'ai bien fait. extrait Ava, Mémoires, Ava Gardner, 1990 page 228
Ava expliquera dans ses mémoires, en 1990 pages 225 et 228 les raisons qui l'ont poussée à avorter : J'avais des principes très stricts sur le fait de mettre un enfant au monde. Je pensais que si l'on n'était pas décidée à lui consacrer l'essentiel de son temps pendant les années de la petite enfance, c'était injuste pour le bébé. Un enfant qui n'est pas désiré — et les enfants le sentent toujours — sera handicapé à vie. Sans parler de toutes les sanctions prévues par la MGM pour les stars qui faisaient des bébés. Si j'avais un enfant, mon salaire serait amputé. Alors comment est-ce que je gagnerais ma vie ? Frank était complètement fauché et cela risquerait bien de durer, c'est du moins ce que je pensais encore un certain temps. Elle ajoute : Frank et moi allions encore être séparés pendant des mois. Et cette situation a fait ressurgir mes vieux scrupules concernant le droit de faire un enfant quand on n'a pas un mode de vie sain et stable au sein duquel l'élever. Frank et moi n'avions pas cela. Nous n'avions même pas la possibilité de vivre ensemble, comme tous les couples mariés. Frankie rentrait à la maison sur le coup de quatre heures du matin, après un concert ou une soirée dans un night-club. Moi je devais quitter la maison à six heures trente du matin, quand ce n'était pas plus tôt, pour être à l'heure au studio. Pas vraiment ce qu'on appelle une vie de famille.
Joseph L. Mankiewicz, le réalisateur aux deux Oscars, la sollicite, malgré les réticences de la MGM, pour jouer Maria Vargas dans La Comtesse aux pieds nus. Dès les rumeurs de production, les plus grandes stars se mettent sur les rangs pour interpréter ce personnage dont la vie ressemble étrangement à celle de Rita Hayworth elle refusera d’ailleurs de l’interpréter, Elizabeth Taylor, Jennifer Jones, Linda Darnell, Yvonne De Carlo, Joan Collins, entre autres, sont sur la liste, mais Mankiewicz ne veut qu’Ava Gardner et la MGM finit par la prêter pour ce film, mais à prix d’or. La Comtesse aux pieds nus est également l’histoire d’Ava Gardner : les origines pauvres, la brillante ascension, le tempérament, le détachement vis-à-vis de son métier d’actrice et les illusions/désillusions face au bonheur. Maria Vargas dira Je crois que je suis belle, mais je ne veux pas n'être qu’une star. Si je pouvais apprendre à jouer, m’aideriez-vous à devenir une bonne actrice ?. Ce chef-d’œuvre reste l’apogée de sa carrière.

Exil en Europe

À 33 ans, en 1955, Ava quitte les États-Unis et s’installe en Espagne à La Moraleja près du centre de Madrid. Elle avait déjà rencontré Luis Miguel Dominguín, torero célèbre, quelque temps auparavant à une soirée madrilène et la star a enfin avec lui une relation amoureuse plus apaisée que celle qu’elle a partagée avec Sinatra. C’est d’ailleurs à cette époque que le couple Gardner-Sinatra se sépare pendant trois ans, ils finiront par divorcer en juillet 1957. Ils garderont tout au long de leur vie une relation d’amitié profonde. Privilégiant toujours sa vie amoureuse au détriment de sa carrière, Quand je suis amoureuse ou que je vis une aventure, je cesse de travailler, la MGM infligera une suspension de contrat à Ava pour avoir refusé le rôle de Ruth Etting dans Les Pièges de la passion, rôle qui sera tenu par Doris Day.

La Croisée des destins 1956.

Malgré son exil provoqué, Ava tourne encore quelques beaux films. Après deux années d’interruption, elle fait son retour avec le grand directeur d’actrices George Cukor dans La Croisée des destins, une super production avec deux ans de préparations et des milliers de figurants, un sujet sulfureux sur l’indépendance de l’Inde et le problème racial Anglo-Indien. Darryl F. Zanuck la sollicite pour Le soleil se lève aussi, film, 1957, sous les conseils d’Hemingway. Le film se passe en Espagne ainsi que le suivant La Maja nue biographie du peintre Francisco de Goya et de son égérie la Duchesse d’Albe, son dernier film sous contrat avec la MGM. Désormais actrice indépendante, Stanley Kramer lui confie le magnifique rôle crépusculaire de Moira Davidson dans Le Dernier Rivage.
Une des meilleures prestations d’Ava Gardner est celle de La Nuit de l'iguane de John Huston.Elle exprimera magnifiquement sa vitalité et son exceptionnelle sensualité dans cette adaptation d’une pièce de théâtre de Tennessee Williams. Elle fera encore quelques belles apparitions spécialement dans le rôle de Lily Langtry, icône sublimée du juge Roy Bean dans Juge et Hors-la-loi où elle retrouve pour la troisième fois le réalisateur John Huston qui lui décerne cet ultime hommage.
Elle aura une liaison, de nouveau mouvementée, avec l’acteur George C. Scott qui sous l’emprise de l‘alcool devient violent. Leur relation sera de courte durée. Elle explique dans ses Mémoires, en 1990 : Nous buvions tous les deux beaucoup, mais moi, l'alcool me rendait généralement heureuse et conciliante. George, quand il était ivre, pouvait devenir fou furieux sur un mode tout à fait terrifiant.page 307, Ava Gardner, Mémoires, 1990.
La Croisée des destins, qui lui offrait un rôle particulièrement riche, avait déjà connu un échec. Dans La Petite Hutte, où elle retrouvait Stewart Granger, sa plastique fut particulièrement mise en valeur. L'Ange pourpre, où elle séduisait le jeune Dirk Bogarde, fut massacré au montage ainsi que la prestation de Gardner - selon les propos de celui-ci. Le prestigieux Les 55 Jours de Pékin mis en scène par Nicholas Ray, au côté de Charlton Heston, reçoit un accueil tiède, et d'autres coûteuses superproductions - le péplum La Bible de John Huston, où elle interprète Sarah et George C. Scott Abraham, ou l'adaptation de Maeterlinck, L'Oiseau bleu, réalisée par George Cukor, où Gardner incarne la luxure et Elizabeth Taylor la maternité, échecs retentissants, contribuent au déclin de sa carrière.
Ava Gardner s'installe définitivement à Londres en 1968. Dans le même temps, la juvénile Catherine Deneuve, succédant à Danielle Darrieux, tient le rôle principal de Mayerling où Ava interprète une Impératrice Élisabeth — Sissi — vieillissante.
L'actrice retrouve Burt Lancaster dans la politique fiction Sept Jours en mai de John Frankenheimer et Charlton Heston dans le film catastrophe Tremblement de terre. Elle joue une méchante sorcière dans Tam Lin, dirigée par l'acteur Roddy McDowall et, dans le thriller Le Pont de Cassandra, elle interprète une femme qui paie un homme joué par Martin Sheen pour ses services sexuels. D'autres films, Priest of Love de Christopher Miles passent inaperçus.
En 1985 et 1986, poussée selon ses propres propos par des besoins financiers, Ava Gardner tourne quelques films : dans la série péplum A.D., elle joue la redoutable Agrippine, et elle retrouve son ancien amant Howard Duff dans quelques épisodes du soap Côte Ouest ; dans Les Feux de l'été d'après William Faulkner, Don Johnson succède à Paul Newman ; dans Harem, elle joue la première épouse du sultan de Turquie, Omar Sharif, son fils dans Mayerling.

Eva Prima Pandora sa Carrière

En réalité, c'est loin de la M.G.M. qu'Ava Gardner va interpréter ses rôles les plus fameux ; des personnages, imaginés tout spécialement pour elle, qu'elle fera vivre avec intensité. La beauté autant que l'esprit singulier de l'actrice inspirent les cinéastes originaux, alors qu'ils s'étiolent dans la routine. En Angleterre, Albert Lewin, intellectuel américain raffiné, épris de littérature et de peinture, fait d'elle Pandora Pandora and the Flying Dutchman, 1951, réécriture sur le mode surréaliste de la légende du Hollandais volant. Ava Gardner y incarne la femme éternelle, Eva Prima Pandora, comme il est dit dans le film n'oublions pas que son prénom se prononce en anglais Eva , prête à suivre son amour dans l'éternité. Pour ce film, Man Ray peint son portrait, que le chef opérateur Jack Cardiff irise de bleu profond et de vieux rose, la rendant à jamais magique.
C'est également Cardiff qui, dans la même admirable palette, la photographie pour son rôle le plus mythique, The Barefoot Contessa La Comtesse aux pieds nus, 1954 de Joseph L. Mankiewicz : elle y interprète Maria Vargas, danseuse de flamenco dans les bouges madrilènes, qui devient Maria d'Amata, star de cinéma hollywoodien. Ce rôle que le cinéaste-scénariste a imaginé d'abord pour Linda Darnell, puis pour Rita Hayworth, Ava Gardner se l'approprie totalement. Celle que la publicité surnommait, avec une certaine muflerie, le plus bel animal du monde, s'y montre une femme étonnamment libre, mais aussi perpétuellement frustrée : les hommes qui compteront pour elle, son ami le cinéaste Harry Dawes Humphrey Bogart et son mari impuissant, le comte Vincenzo Torlato Favrini Rossano Brazzi, ne pourront lui offrir qu'une relation platonique. Miroir de tous les désirs, Maria est peinte par ceux qui l'ont côtoyée, tandis que, sous une pluie battante, se déroule son enterrement, autour de son effigie marmoréenne mais pieds nus, comme la jeune Ava autrefois dans les plantations de tabac de ses parents.
Ce spleen si particulier, Ava Gardner le traîne jusqu'en Afrique où John Ford lui offre un rôle d'aventurière pleine de vitalité Mogambo, 1953. Cette mélancolie la prédestine également à l'univers d'Ernest Hemingway. Elle interprète à merveille ces belles héroïnes douloureuses, rongées par un secret mal de vivre, qui brûlent la chandelle par les deux bouts en Europe pour ne pas mourir en Amérique : Henry King lui propose par deux fois ce type de personnage The Snows of Kilimanjaro Les Neiges du Kilimandjaro, 1952 ; The Sun Also Rises Le Soleil se lève aussi, 1957.
George Cukor, qui savait comment tirer des trésors d'une actrice, la dirige à merveille dans le chatoyant La Croisée des destins Bhowani Junction, 1956, dans le rôle d'une métisse déchirée entre son appartenance à l'empire britannique et l'origine indienne qu'elle tient de son père, à l'heure où l'Inde est agitée par le message pacifiste de Gandhi. Ces rôles intenses, ces environnements tumultueux siéent à la sensualité d'Ava Gardner. En revanche, la biographie de Goya, où elle incarne la duchesse d'Albe, s'avère une occasion ratée, The Naked Maja La Maja nue, 1958, de Henry Koster.
Marquée par ces rôles, Ava Gardner, sous le charme du torero Luis Miguel Dominguìn, se fixe en Espagne et devient la cible des paparazzi. Elle choisit en quelque sorte la vie contre le cinéma, renonçant à la carrière fabuleuse qui aurait pu être la sienne, ne revenant au cinéma que lorsque le besoin matériel s'en fait sentir. En général, les films issus de cette période sont médiocres, même si Ava Gardner les interprète avec ferveur et dignité, les marquant immanquablement du magnétisme de sa présence The Angel Wore Red L'Ange pourpre, 1960, de Nunally Johnson ; Mayerling, 1968, de Terence Young, où elle endosse le rôle d'Élisabeth d'Autriche. Mais quelques rencontres heureuses sont toujours possibles et les miracles ont lieu, comme lorsqu'elle interprète une comtesse russe désenchantée, prise dans le tumulte de la révolte des boxers, dans 55 Days at Peking Les 55 Jours de Pékin, 1963, de Nicholas Ray, ou Lily Langtry, actrice mythique qui apparaît comme un rêve aux derniers plans de The Life and Times of Judge Roy Bean Juge et Hors-la-loi, 1972, de John Huston.
C'est d'ailleurs John Huston qui lui donne l'occasion d'une véritable composition et lui offre son dernier grand rôle, celui de Maxine Faulk créé à la scène par Bette Davis, tenancière débraillée, mais au grand cœur, d'une taverne à la frontière entre le Mexique et les États-Unis, dans La Nuit de l'iguane Night of the Iguana, 1964 d'après la pièce de Tennessee Williams. Ses colères y sont spectaculaires mais bon enfant ; elle les apaise par des rasades de tequila et des bains de minuit avec de jeunes mariachis ; mais elle y soigne aussi les états d'âme du pasteur défroqué Richard Burton.
Entre le cinéma et la télévision, Ava Gardner est restée active jusqu'à la fin de ses jours, et sa filmographie est en fin de compte beaucoup plus longue qu'on ne l'imagine. Mais l'essentiel, elle l'a donné en quelques années, dans quelques films, pour quelques cinéastes choisis, à qui elle a fait don d'une beauté exceptionnelle mais aussi de la grâce instinctive d'une actrice spontanée, que jamais le système n'a réussi à formater.
Elle tombe malade en 1986 et meurt d'une pneumonie chez elle à Londres le 25 janvier 1990 à l'âge de 67 ans.

Filmographie
Cinéma Années 1940

Ava Gardner et Clark Gable dans Marchands d'illusions 1947.
1941 : Fancy Answers court métrage :
1941 : Rendez-vous avec la mort Shadow of the Thin Man de W. S. Van Dyke : Une Passante
1941 : Souvenirs H.M. Pulham, Esq. de King Vidor : Une jeune mondaine
1941 : Débuts à Broadway Babes on broadway de Busby Berkeley : Un membre de l'audience
1942 : We Do It Because court métrage : Lucrèce Borgia
1942 : Danse autour de la vie We were dancing de Robert Z. Leonard : Une femme
1942 : Un Américain pur sang Joe Smith, American de Richard Thorpe : Mlle Maynard, une secrétaire
1942 : Le Sourire de vos lèvres This Time for Keeps de Charles Reisner : La fille dans la voiture
1942 : Kid Glove Killer de Fred Zinnemann : Une serveuse
1942 : Sunday Punch de David Miller : Une spectatrice
1942 : Calling Dr. Gillespie de Harold S. Bucquet : Une étudiante
1942 : Mighty Lak a Goat de Herbert Glazer : Une fille au guichet
1942 : Quelque part en France Reunion in France de Jules Dassin : Marie, une vendeuse
1943 : Pilot N° 5 de George Sidney : Une femme
1943 : La Du Barry était une dame Du Barry Was a Lady de Roy Del Ruth : La parfumeuse
1943 : Hitler's Madman de Douglas Sirk : Franciska Pritric, une étudiante
1943 : Ghosts on the Loose de William Beaudine : Betty
1943 : Young Ideas de Jules Dassin : Une étudiante
1943 : Swing Fever de Tim Whelan : Une réceptionniste
1943 : L'Ange perdu The Lost Angel de Roy Rowland : La fille du vestiaire
1944 : Deux jeunes filles et un marin Two Girls and a Sailor de Richard Thorpe : Une hôtesse.
1944 : Trois hommes en blanc Three Men in White de Willis Goldbeck : Jean Brown
1944 : Maisie Goes to Reno d'Harry Beaumont : Gloria Fullerton
1944 : Blonde Fever de Richard Whorf : Une figurante
1944 : Tendre symphonie Music for Millions de Henry Koster : Une figurante
1945 : She Went to the Races de Willis Goldbeck : Hilda Spots
1946 : Tragique rendez-vous Whistle Stop de Léonide Moguy : Mary
1946 : Les Tueurs The Killers de Robert Siodmak : Kitty Collins
1947 : Singapour Singapore de John Brahm : Linda Grahame / Ann Van Leyden
1947 : Marchands d'illusions The Hucksters de Jack Conway : Jean Ogilvie
1948 : Un caprice de Vénus One Touch of Venus de William A. Seiter : Vénus
1949 : L'ÃŽle au complot The Bribe) de Robert Z. Leonard : Elizabeth Hintten
1949 : Passion fatale The Great Sinner de Robert Siodmak : Pauline Ostrovsky
1949 : Ville haute, ville basse East Side, West Side de Mervyn LeRoy : Isabel Lorrisson

Années 1950

Ava Gardner dans Mon passé défendu 1951.
Ava Gardner dans La Comtesse aux pieds nus 1954.
1951 : Pandora Pandora and the Flying Dutchman d'Albert Lewin : Pandora Reynolds
1951 : Mon passé défendu My Forbidden Past de Robert Stevenson : Barbara Beaurevel
1951 : Show Boat de George Sidney : Julie LaVerne
1952 : L'Étoile du destin Lone Star de Vincent Sherman : Martha Ronda
1952 : Les Neiges du Kilimandjaro The Snows of Kilimanjaro d'Henry King : Cynthia Green
1953 : Vaquero Ride, Vaquero! de John Farrow : Cordelia Cameron
1953 : Mogambo de John Ford : Eloise Y. Honey Bear Kelly
1953 : Les Chevaliers de la Table ronde (Knights of the Round Table) de Richard Thorpe : La reine Guenièvre
1954 : La Comtesse aux pieds nus The Barefoot Contessa de Joseph L. Mankiewicz : Maria Vargas
1956 : La Croisée des destins (Bhowani Junction de George Cukor : Victoria Jones
1957 : La Petite Hutte The Little Hut de Mark Robson : Lady Susan Ashlow
1957 : Le Soleil se lève aussi The Sun Also Rises d'Henry King : Lady Brett Ashley œuvre tirée du roman d'Ernest Hemingway
1958 : La Maja nue The Naked Maja d'Henry Koster et Mario Russo : Maria Cayetana, duchesse d'Albe
1959 : Le Dernier Rivage On the Beach de Stanley Kramer : Moira Davidson

Années 1960

1960 : L'Ange pourpre The Angel Wore Red de Nunnally Johnson : Soledad
1963 : Les 55 Jours de Pékin 55 Days at Peking de Nicholas Ray : La baronne Nathalie Ivanoff
1964 : Sept Jours en mai Seven Days in May de John Frankenheimer : Eleanor Holbrook
1964 : La Nuit de l'iguane The Night of the Iguana de John Huston : Maxine Faulk
1966 : La Bible The Bible… In The Beginning de John Huston : Sarah
1968 : Mayerling de Terence Young : L'impératrice Elisabeth

Années 1970

1970 : Tam Lin The Ballad Of Tam Lin de Roddy McDowall : Michaela Cazaret
1972 : Juge et Hors-la-loi The Life and Times of Judge Roy Bean de John Huston : Lily Langtry
1974 : Tremblement de terre Earthquake de Mark Robson : Reny Graff
1975 : La Trahison Permission to Kill de Cyril Frankel : Katina Petersen
1976 : L'Oiseau bleu The Blue Bird de George Cukor : Luxure
1977 : Le Pont de CassandraThe Cassandra Crossing de George Cosmatos : Nicole Dressler
1977 : La Sentinelle des maudits The Sentinel de Michael Winner : Mlle Logan
1979 : Cité en feu City on Fire d'Alvin Rakoff : Maggie Grayson

Années 1980

1980 : L'Enlèvement du président The Kidnapping of the President de George Mendeluk : Beth Richards
1981 : Priest of Love de Christopher Miles : Mabel Dodge Luhan
1982 : Regina Roma de Jean-Yves Prate : Mama

Télévision

1985 : A.D., série de Stuart Cooper avec James Mason, Anthony Andrews, Jennifer O'Neill, Agrippine
1985 : Côte Ouest Knots Landing, série créée par David Jacobs avec William Devane, Howard Duff, Donna Mills, Ruth Roman, Ruth Galveston
1985 : Les Feux de l'été The Long Hot Summer, téléfilm de Stuart Cooper avec Jason Robards, Don Johnson, Cybill Sheperd, William Russ, Minnie Littlejohn
1986 : Harem, téléfilm de William Hale avec Omar Sharif, Sarah Miles, Nancy Travis, Art Malik, Kadin
1986 : Maggie, téléfilm de Waris Hussein, Diane Webb





[img width=600]http://elobservadorindiscretodotcom.files.wordpress.com/2013/01/ava-gardner-a.jpg?w=983[/img]